¡THE CURE! LA CURA PARA EL ALMA LLEGA A BOGOTÁ

Después de tantos deseos pedidos a estrellas fugaces, después de una interminable espera y después de un 2012 excelente para la música en Colombia; llega finalmente a Bogotá, "La Cura para el alma": THE CURE!

Bogotá recibirá a una de las bandas más influyentes de nuestros tiempos. Con Robert Smith a la cabeza con sus característicos labios rojos y ojos negros, la ciudad tendrá una visita musical para recordar.

The Cure nace en 1976 con un proyecto musical bañado de sonidos post punk, a ratos góticos, reforzados por su imágen oscura. Junto a bandas como Joy Division o Siouxsie and The Banshess, gana fuerza un movimiento gótico, Dark Wave, que fue ganando miles de adeptos en el mundo.

The Cure saca a la luz su primer álbum en 1979 bautizado "Three Imaginary Boys", que se fue de gira por todo el reino unido y fue un hit junto a sencillos como "Boys don´t Cry" y "Someone else's Train". Hits que hoy son más fuertes que nunca y son nuestros bien llamados clásicos.

Hacia 1980 The Cure explora más a fondo el lado oscuro de Robert Smith en la composición de temas y lo lleva al máximo clímax con la publicación del álbum Pornography. Con este álbum sale el sencillo "The Hanging Garden" que con sus letras de verdad nos da una cara a criaturas oscuras y extrañas en un lugar tenebroso. Ante esta exploración de su lado oscuro, The Cure decidió renovar la propuesta, y lo hizo inyectándole un feeling pop y con sonidos electrónicos, como con el sencillo "let's go to Bed" o "The Walk" en el 83, sencillo con el que siguieron experimentando con el sonido dance-groovy-electro-dark.

En el 87 sacan su monumental álbum doble Kiss me Kiss me Kiss me, que trajo consigo los toures más memorables con las mejores presentaciones en vivo en la vida artística de la banda. Salen unos sencillos con toques musicales enérgicos y con muchos teclados con unos ritmos bastante bailables; tal es el caso de "Why can´t I be you" o un poco más melodramático como " catch", pero sin duda, un clásico muy ceñido a la personalidad musical creada por The Cure fue " Just like Heaven" que aún con gran predominancia de los teclados y riffs pegajosos, mantiene su esencia un poco oscura y curesca, que tanto nos ha enganchado. Este  álbum es una muestra de todo el rango de estilos que maneja The Cure, y podemos encontrar muchísimas influencias del dance pero en una armonía perfecta con el rock y los sonidos frios que hizo famosa a la banda. Justo después de este álbum aparece uno de los sencillos más admirados, reconocidos y santificados de la banda "Lovesong", de la mano de "Desintegration", Es un himno y lo seguirá siendo por mucho tiempo. Incluso la banda 311 le hizo un cover que también goza de una excelente acogida.

En el 92 lanzan el álbum Wish, considerado por muchos, el mejor trabajo de la banda hasta la fecha. y ¿cómo no iba a serlo? en este álbum está el sencillo conocido muy bien por todos y coreado cada vez que suena: "Friday I'm in Love", un tema feliz que cada vez que comienza nos pinta un arcoiris y una sonrisa en el rostro. Está acompañada de las más oscuras "High", "Open" o "Trust" temas también sobresalientes de este álbum, pero que dejan atrás el arcoiris y siguen construyendo en esa personalidad musical tan imponente de la banda. Con Mixed up y Wish , The Cure alcanza gran reconocimiento nacional y gana el premio a mejor banda británica.

Con este gran respaldo, siguen grabando y sale el "Wild Mood Swings" que fue top ten en casi todo el mundo, en este álbum sale un sencillo bastante interesante "The 13th" que nos sorprende con trompetas al mejor estilo latino y con un ritmo que nunca hubiéramos esperado de los Cure. Es un experimento bien exclusivo en el repertorio de la Banda y que incluso alcanzó a estar en el top 10 de varios rankings en el mundo, junto a su otro sencillo "The Mint Car".

En el 2007 ya posicionados y reconocidos mundialmente e incluso rotando en todos los canales musicales como MTV, lanzan el tan aclamado álbum "The Cure".  Con el sencillo "The End of the world, alcanzan generaciones más jóvenes y se popularizan muchísimo. La banda se convirtió en un "must" en los grandes festivales europeos, norteamericanos y de américa latina. Tuvieron una excelente aparición en los premios MTV latinoamérica que siguió a presentaciones excelentes en el Download Festival y una gran concierto en México.

Lo más reciento de The Cure es el 4:13 Dream, álbum con estrene en el 2008. El álbum ha obtenido un 69 sobre 100 en calificación en Metacritic. Este puntaje se obtuvo por sus review positivos en general. Aunque la mayoría de críticas catalogan el álbum como una obra clave en la historia de la banda, otros lo critican por su ligereza  y comodidad excesiva en la composición de sus letras.

Ya estamos en 2013, y Latinoamérica recibe con los brazos supremamente abiertos a The Cure. Este tour tan esperado abarca Brasil, Chile, Argentina, Colombia, Perú, México y Paraguay y tendremos la fortuna de ver a nuestra cura para el alma y gozar a grito herido los hits de los Cure y saltar hasta el amanecer.

Vayan ya mismo a comprar sus boletas en tuboleta.com y estúdiense las canciones para que se la gocen con toda el próximo 19 de Abril en el Simón Bolívar.

Bogotá capital de la música, inicia el 2013 con pie derecho.

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¡Oye, RADIOHEAD! El sonido de un verdadero mundo Nuevo

“Hey, radio head! The sound...of a brand-new world” Fragmento de Radio Head de los Talking Heads                                                                                                                                             

UN VIAJE POR LA MÚSICA DE RADIOHEAD.

Por Alfredo Sánchez Aguilar

Quién podría imaginarse que el título de una canción que roza los tintes de la ridiculez y cuya música no pasa de ser una composición estándar medio pop, sería el nombre de una de las agrupaciones que más ha revolucionado el mundo moderno de la música, es decir, esta banda es todo lo contrario a lo que representa el origen de su nombre. Quizá la única frase de la letra de Radio head de los Talking Heads que podría describir y ser profética en cuanto a lo que inspiró, es la que le da el título a esta entrada.

La historia de Radiohead tiene sus inicios a finales de los 80’s y desde ese entonces la música del lado occidental no volvió a ser la misma. Con el lanzamiento del álbum Pablo Honey en 1993 y el gran mega hit Creep, todo el planeta se enteró de la existencia más oscura y deprimente que provenía de Inglaterra.
Luego de esto, el disco The Bends, lanzado en 1995, mostró otro lado de la banda, uno triste pero con ciertos aires un poco más grunge y fue la encasillada que más le costó a la banda llevar a cuestas, canciones como My iron lung y The bends hicieron justicia a todo este asunto grunge, sin embargo en todo el disco predominan las guitarras acústicas que con los años se convertirían en parte del arsenal más usado al momento de hacer música.

Con todo el gran éxito, sólo le tomó 2 años a la banda sacudirse de todo el marketing y el acoso de las disqueras. De esta manera en 1997 dieron a luz el inmortal Ok Computer, un álbum que se paseó por todos lados a nivel musical: el acústico, el fuerte y el electrónico experimental. Las letras estuvieron a otro nivel y se creyó incluso en la intensión de generar cierto discurso orientado a la crítica social en cuanto a la relación con la evolución de las condiciones humanas. Fitter happier llegó a parecer un manifiesto irónico a las nuevas costumbres sociales de los hombres y en seguida el álbum se descargaba con toda en son de protesta con la cruda realidad expuesta en Electioneering. Definitivamente fue el álbum fronterizo de Radiohead, la mezcla perfecta entre sus álbumes anteriores y la evolución que ya decían buscar. De ahí en adelante todo fue diferente. 
El Kid A (2000) y el Amnesiac (2001) dos álbumes hermanos, dejaron a todo el mundo en un limbo, el cambio fue casi que radical. Radiohead dio relevancia a los teclados y a las guitarras (eléctricas y acústicas), mezcladas con toda clase de “juguetes” electrónicos. Las letras sorprendieron por lo metafóricas y por lo breves. Las supuestas reglas de verso - coro - verso estaban siendo transgredidas delicadamente. Radiohead perdió unos pocos seguidores y se ganó toda una audiencia especializada. Canciones como The National Anthem, Idioteque, Morning bell, I might be wrong y Knives out, fueron claves para entender qué estaba pasando con Radiohead otras desviaban un poco la atención y se hicieron de más difícil digestión pero no menos buenas que las mencionadas, en esta lista de nuevas canciones podrían nombrarse temas como Kid A, Like spinning plates y Life in a glass house que incluye unos magníficos y trágicos vientos que se vislumbran con leves toques de jazz y blues.

Luego de esto pareciera que Radiohead intentó volver un poco atrás con el álbum Hail to the Thief (2003), sin embargo y a pesar de que canciones como There There y Go to sleep trataban de darle ese aire al estilo antiguo de la banda, los demás temas seguían mostrando su interés por los experimentos melódicos y electrónicos. Hail to the thief se percibe como un álbum transitorio, disco para pensar un poco y escoger un camino. El tema We suck Young blood era la canción hermana de Life in a glass house, incluída en el disco anterior. Aquí entonces descubrimos un patrón: Creep, Fake plastic tres, Lucky, Motion picture soundtrack, Life in a glass house y We suck young blood, todas eran hermanas. Cumplían la función de ser agentes tranquilizantes en cada uno de los discos a los que pertenecían.

Los dos álbumes siguientes In Rainbows (2007) y The King of limbs (2011), son los sucesores del Kid A y el Amnesiac. Son más complejos a nivel rítmico, las líricas son más breves, los “juguetes” electrónicos son más notorios y el uso de armonías es dinámico y en ocasiones repetitivo, incluso se repiten algunas de las melodías usadas en álbumes anteriores. ¿Qué los hace valiosos? Las atmósferas que logran crear, el viaje en la música, esa sensación de vuelo que lleva al adicto a Radiohead a entender qué se quiere decir. Además de la sinceridad que los dos álbumes lograron transmitir a través del programa From the basement. Son videos que vale la pena ver. Estos dos álbumes también tienen sus agentes tranquilizantes, en el primer cd de In Rainbows encontramos Videotape, el segundo cd es también un viaje a través de todos los estilos que ha trabajado Radiohead, es un buen cd para escuchar y entender qué quiere Radiohead. En King of limbs, Codex es el tema que nos regala un poco de tranquilidad dentro de tanto loop, sampler y máquina rara.

En fin Radiohead ha llegado a un punto en que definitivamente es una banda única, su evolución puede ser comparada con la evolución de bandas como The Beatles o Pink Floyd. No cabe duda de que se merecen uno de los mejores lugares en la historia de la música y que ojalá sigan haciendo cosas tan experimentales y tan buenas.  

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LA MOTTA: LA REVOLUCIÓN DEL TAMBOR Y LA GOZADERA HECHA MÚSICA

Por Adriana Yee Meyberg

Según la Real Academia de la Lengua Española, una mota es:

mota.

(De or. inc.).

1. f. Nudillo o granillo que se forma en el paño, y se quita o corta con pinzas o tijeras.

2. f. Partícula de hilo u otra cosa semejante que se pega a los vestidos o a otras partes.

3. f. Mancha, pinta o dibujo redondeado o muy pequeño.

4. f. Defecto muy ligero o de poca entidad que se halla en las cosas inmateriales.

5. f. Pella de tierra con que se cierra o ataja el paso del agua en una acequia.

Pues bien, así como una mota que no se despega de sus sacos, llega La Motta, un proyecto musical nacido en el distrito capital. Un grupo que llega a quedarse sonando en el cerebro y que no se despegará pues llega a fastidiar el estatus quo.

La Motta  está conformada por Guillermo Ceballos (Guille) en la guitarra, Alfredo Sánchez (Alfred) en el bajo, Kevin Vásquez (Joko Motta) en la voz y John Gómez (Johnny) en la Batería.

Desde sus inicios la idea central de la música de La Motta ha sido fusionar sonidos rock, sonidos latinoamericanos y rap. Esta fusión se debe principalmente a las historias y formaciones musicales de cada uno de los integrantes, quienes traen elementos picantes y emocionantes a este mix musical.

Todas sus historias han hechos del sonido de la banda una mezcla perfecta entre el sabor de la salsa, la cumbia y el merengue, el poder y la fuerza del rock y el carácter contestatario característico del rap. Las letras de La Motta se centran en la rumba, el amor y la libertad con espíritu rebelde y con un gran interés por rescatar los derechos y el valor de las costumbres y alma latinoamericanas.

"Si no podemos cambiar el mundo, por lo menos cambiaremos nuestro propio mundo". Bajo esta convicción existe La Motta. La agrupación se dedica a hacer música que alegre corazones, que exalte mentes y electrice cuerpos.

Convencidos de que corazones alegres y unidos hacen más que corazones opacos, La Motta hace música en comunidad y la lleva a todos sin ningún tipo de frontera. Rumba y revolución como estandarte de la banda guía el curso de este gran proyecto.

Apoyados en su música incursionan en proyectos y causas sociales, ecológicas y culturales y con entusiasmo gritan: "¡porque si no se puede bailar... no es nuestra revolución!"

Acá les dejamos un video de su presentación en el showcase de Bogotá Ciudad Rock 2011, en la que tuvieron una destacada participación. ¡A bailar para cambiar el mundo!

Pueden seguir este gran proyecto en redes sociales en http://www.facebook.com/lamottabogota
y en twitter @lamottabanda

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LA CHISPA DE LA VIDA...O ¿LA CHISPA DE LA MUERTE?

Reseña por Adriana Yee Meyberg

Alex de la Iglesia nos sorprende una vez más con su nueva película: La Chispa de la Vida.

Si bien no nos muestra su violencia física habitual, la violencia y crudeza emocional humana de esta película son de niveles altísimos.
Con gran sencillez escenográfica y con una relación de sucesos directa, sin rodeos y sin complejidades literarias; Alex de la Iglesia nos expone sin reparos y sin reservas a lo poco humanos que nos hemos vuelto, y a la fuerza del dinero que ha desplazado en la escala de valores a la dignidad humana.

Un publicista desempleado en medio de una crisis económica profunda, en busca de trabajo se ve enfrentado a toda clase de desplantes y humillaciones sin ningún resultado positivo.

Con la esperanza de encontrar el antiguo hotel en el que pasó la Luna de miel con su esposa, va a Cartagena (la de Murcia, España), y lo que encuentra es la restauración de un antiguo coliseo romano que está en vísperas de inauguración. Una cosa lleva a la otra y por cosas de la vida sufre un accidente en el que se le clava un hierro en el cráneo. En medio de la conmoción  hay un desfile incesante de juegos políticos, comerciales y de medios que llevan a la historia por caminos inesperados en donde el morbo, la indiferencia y la comercialización reinan por sobre la dignidad humana.

Alex de la Iglesia nos pone en jaque en esta película, en donde el corazón y la mente se debaten, se cuestionan seriamente los valores y ciertamente te deja azotado contra el piso.

Realmente una obra que vale la pena, y puedo decir sin duda que la falta de pudor de Alex de la Iglesia, logra obras que nos gritan la verdad en la cara y expone totalmente lo podridos que estamos como sociedad y raza.

¡+1 para Alex de la Iglesia y su Chispa de la Vida!

Acá el trailer para que le echen un vistazo

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LA CIUDAD DE LAS BESTIAS, UN VIAJE HACIA LO MÁS BELLO Y LO MÁS TERRIBLE DEL ALMA

Foto de Mural en Barilocha tomada por Dauro Veras

Por Adriana Yee Meyberg

La ciudad de las bestias es un mágico viaje de la mano de las magistrales letras de Isabel Allende, escritora chilena de gran relevancia y legado.

En este relato nos adentramos en lo más profundo del amazonas para encontrar que más allá de exuberancia natural, se encuentra el alma del mundo.

Una expedición internacional parte en la misión de encontrar a "la bestia" que tiene a las comunidades del amazonas aterradas; lo que no esperan,  es que al penetrar el corazón de la selva los mas aterradores personajes y las verdaderas bestias serán ellos.

Una abuela atípica, un adolescente citadino y una chica de color miel con la armadura y sabiduría que le brindan su amor y profundo respeto por la naturaleza, sus criaturas y sus almas, nos envuelven en una historia llena de color, misterio, angustia, y sobre todo Magia.

La Magia de los espíritus, la magia de los vivos, la magia de lo que nos rodea y la angustia de verla extinta por los impulsos nefastos del corazón humano, son el hilo conductor de la historia, que más allá de ser un deleite para la imaginación se convierte en una contundente denuncia a la ambición y a la inconsciencia de no sabernos naturaleza, de no sabernos uno con la tierra y los demás; de dejarnos cegar por la "civilización" que en un desenfrenado crecimiento, da muestra de la miopía de su desarrollo. Un desarrollo divorciado de manera radical con lo que de verdad debería motivarnos a crecer: El entendimiento del sentido de vivir en el amor y en la armonía.

El desarrollo en nuestros días, encuentra sus raíces en la explotación de la tierra, vista exclusivamente como medio para la generación de dinero, no como la base de la vida y el hogar de lo que hoy conocemos como mundo. Un mundo que sin tierra, sólo sería polvo.

Los pueblos originarios se han visto desplazados, olvidados, discriminados y condenados al exilio; a un eterno vagar de metrópoli en metrópoli en condiciones que azotan sin cesar la dignidad.

La ciudad de las bestias es un grito de auxilio a estas entrañas de la vida que no dan espera a ser escuchadas y atendidas.

Los intentos de venta de los territorios del Tayrona a complejos hoteleros y grandes constructoras, la agresión constante a los pueblos indígenas del Cauca y de otras poblaciones de nuestra américa latina y el desplazamiento de los Embera, son sólo una pequeña muestra del dolor del mundo y del agravio a lo sagrado por parte de los "civilizados".

Sólo podemos concluir que somos unas bestias, unas bestias  con dos lobos en nuestro interior, como lo cuenta la leyenda norteamericana nacida de sus pueblos autóctonos.

En nuestro corazón se vive una batalla constante entre dos lobos. El lobo del odio, la amargura, la violencia, la ambición, la crueldad y la maldad contra el Lobo de la bondad, el amor, la humildad, la serenidad y el amor. ¿que... Cuál gana? El que alimentemos. Yace en nuestro libre albedrío el  dejarnos llevar por la indiferencia nutrida por la sociedad de consumo que nos envuelve en sus vanidades insulsas o encontrar nuestro centro. Tal como en la historia:  Alexander en medio de la selva con la gente de la niebla, Walimai,  el Tepui y la búsqueda del agua de la salud y los tres huevos de cristal, encarnando al jaguar  y al águila en una determinante lucha para salvar al ojo del mundo de los Nahab y sus aves de ruido y de viento.

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¿QUÉ TAN DIFÍCIL ES AMAR?

Por Alfredo Sánchez

Amarte Duele (2002) es una película mexicana dirigida por Fernando Sariñana que cuenta la historia de amor, casi imposible, entre dos jóvenes que pertenecen a diferentes clases sociales. Al mejor estilo Shakesperiano, Sariñana, inspirado en Romeo y Julieta, quizá, lleva a los extremos creíbles la historia de un amor épico que debe enfrentar, a parte de los prejuicios, su propio destino. 

Una película que además del mensaje romántico de la pareja, lleva una clara intención social al poner al desnudo la discriminación y la falta de tolerancia entre las sociedades y clases humanas y muestra como utópica y ficticia una sociedad en la que todos los seres humanos son iguales.

Las actuaciones son excelentes y la banda sonora le hace justicia. Entre los temas que se destacan están Soñé de Zoé y Amarte Duele de Natalia Lafourcade.

Recomendada 100% haciendo click aquí podrán ver la película completa.

DEL ROMANTICISMO AL HEAVY METAL

Mucho se ha teorizado a propósito de los diferentes escritores del romanticismo y muchos han discutido si el verdadero romanticismo es de Alemania o el de Inglaterra o el de Francia o el de Italia, aunque de estos dos últimos países se ha dicho que poco fueron tocados por el romanticismo y sin embargo en Francia nos encontramos con monstruos, en el buen sentido de la palabra, como Baudelaire, Rimbaud y Mallarmé, que cumplían con una de las principales reglas del romanticismo: El simbolismo.

El objetivo no es otro que salvar un poco esa tradición literaria del romanticismo a través de un ejemplo musical. Jim Morrison (The Doors) estaba influenciado por William Blake, uno de los menos conocidos del romanticismo inglés pero quizá uno de los más importantes, y por todos los poetas franceses, por otro lado y un poco más cercano a nuestros días, están los señores de Iron Maiden, que inspirados en uno de los poetas ingleses más importantes del romanticismo: S.T. Coleridge, y en su poema The Rime of the ancient mariner; compusieron un temazo de 13 minutos con el mismo nombre y así rindieron un homenaje a este gran escritor. Arriésguense pues a disfrutar de estos 13 minutos de Heavy Metal inspirados en la poesía del romanticismo. Además haciendo click en el título del poema podrán leer el texto completo del señor Coleridge The Rime of the Ancient Mariner
 

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OTRO GRANITO PARA LA POESÍA

Tenemos el orgullo de decir que hicimos una segunda edición de nuestro festival de poesía inédita Cuarto Menguante. Esta vez lo llamamos "Poesía en Escena" ya que el principal objetivo del evento es incentivar a que los poetas que tienen sus escritos refundidos en cajones y libretas, sean capaces de crear un performance que muestre lo que sus palabras quieren decir. Si bien es cierto que estamos acostumbrados, al menos en Colombia, a que la poesía se lee o se declama con cara acongojada, en otras latitudes se hacen competencias de poetas que mezclan sus escritos con puestas en escena y performances llenos de música, color, risa y bastante creatividad. El festival quiere motivar a todos sus participantes a que dejen volar su creatividad y se arriesguen a enfrentar a un público tan difícil como el bogotano

El festival de poesía inédita Cuarto Menguante, Poesía en Escena, se llevo a cabo los pasados 15 y 16 de junio, fue un festival que aunque costó trabajo realizarlo, contó con la colaboración y participación de muchas personas. Los poetas que se subieron a esta idea fueron: Sebastian Velandia, Ángela Alvarado, Sebastián Barrera, Oscar Rivera, Ángelica Murillo, Andrés Buitrago, Joko Motta, Alejandro Meyberg y Andrea Torres. Los artistas invitados para los intermedios musicales fueron: Fehr Camar, Oscar Rivera y Pablo Cuentero, Afrikan Soul y La Motta. Obviamente el agradecimiento infinito a la gente de La Estación del Expreso que nos atenieron y nos prestaron el lugar sin ningún tipo de exigencia económica y sí con toda la actitud y el apoyo que un evento de este tipo requiere.

Sebastián Velandia dio inició a la fiesta poética, era su primera vez en público como poeta, aunque con poca gente al frente, los nervios se apoderaron de él y el aura de artista lo iluminó, sus poemas dedicados al amor y a la noche fueron un buen inicio; en seguida Ángela Alvarado con un escrito en prosa nos llevó a un viaje interno, a los pensamientos, a la duda. El primer intervalo musical estuvo a cargo de Fehr Camar quién con su excelente voz y técnica en la guitarra, nos dejó boquiabiertos al demostrar su amor por la música de Silvio Rodríguez y la música protesta, el comentario del público en general fue "¡oh! Es como estar escuchando a Silvio".
El turno fue luego para Sebastián Barrera, poeta que ya tiene un libro publicado. Nos deleitó con un manejo excelente de las palabras y terminó su presentación mostrando dos poemas musicalizados dedicados completamente al amor.

El cierre del primer día estuvo a cargo de Oscar Rivera, quien contó con la colaboración de su hermana y de Pablo Torres, primero tuvimos el honor de compartir algunos de los poemas de su abuelo Lisandro, una excelente lectura de unos textos que tienen peso histórico, luego, en compañía de Pablo nos deleitaron con unos excelentes temas de rock latinoamericano y uno que otro de música protesta.

Para el sábado crecieron las expectativas, Andrea Torres dio inició a la noche con una presentación excelente llena de creatividad y teatralidad, un poema dividido en cinco partes que nos llevaron en un paseo a través de la psicología de la personaje.

En seguida Angélica Murillo nos iluminó con sus escritos obscuros y una lectura llena de experiencia, el fondo musical acústico dio un ambiente perfecto para la voz de esta poetisa; con un poco de temor, Andrés Buitrago hizo su primera aparición en público como poeta, este ingeniero bogotano nos dejó ver tímidamente su talento, sus poemas con un estilo bien interesante nos mantuvieron al tanto de lo que sucedía en el escenario.

El primer corte musical estuvo a cargo de la banda de reggae Afrikan Soul, se fajaron con sus letras poéticas y críticas sociales, su gran carisma y talento dieron el primer toque rebelde de la noche, aunque pocos se animaron a bailar, todo el público quedó contento y prendido con la rumba que armaron. Así, el turno de presentar su obra le llegó a Joko Motta, con sus escritos bastante modernos y vanguardistas, Joko nos arrastró por sus sensaciones y sentimientos a través de la noche y las ventanas. El último poeta de la noche fue Alejandro Meyberg quien se fajó una excelente presentación, con la compañia de su guitarra le iba dando dinámica a sus textos a la vez que establecía un diálogo con el público, como bonus track de su presentación, cedió un espacio a su prima, quien por la emoción que le causaba todo lo que sucedía a lo largo de la noche, se arriesgó a escribir un poema y presentarlo dulcemente al auditorio.

El cierre del festival estuvo a cargo de la banda La Motta, la banda terminó de poner el toque rebelde que había iniciado Afrikan Soul, las letras llenas de crítica social y amor hicieron bailar a más de uno y cerraron con el puño en alto el II Festival de Poesía Cuarto Menguante, Poesía en Escena.

El festival demostró que se puede trabajar en equipo para lograr espacios que motiven a la cultura, a la expresión literaria-artística, que la poesía no es sólo para expertos literatos sino que en muchos rincones existen textos escondidos que alzan la voz para ser escuchados. La tarea continúa y sabemos que nuestra responsabilidad es mejorar los errores y seguir trabajando en la creación de este tipo de eventos que motiven a la gente a mostrar su lado literario.

Para ver la galería fotográfica visiten nuestro facebook: http://www.facebook.com/colectivo.cuartomenguante?ref=tn_tnmn