NO ES UN ADIÓS, NI SIQUIERA UN HASTA LUEGO... CHI CHENG, VIVIRÁS SIEMPRE EN NUESTROS OÍDOS

El gran Chi Cheng, viajó a una mejor vida el pasado sábado 13 de Abril en la mañana.

Tras sufrir un accidente automovilístico en 2008, el cual lo dejó en coma, Chi cheng tuvo un tiempo atípico en esta tierra de insconsciencia y semi inconsciencia en sus últimos días.

Mientras su madre le cantaba al oído sus canciones favoritas, Chi, nos dejó y descansó finalmente.

Ásí como su madre lo expresó, lo mejor es que Chi nunca estuvo solo; lo supo, y fue acompañado por sus seres queridos en un camino difícil pero que concluyó en su descanso.

 

Chi Cheng el gran ex bajista de los deftones, fue una pieza clave para la banda, fue fuente de energía, excelentes líneas de bajo y una presencia incomparable!

Lo recordaremos por sus gritos en escena y su maestría y poder como bajista.

Chi también tuvo su proyecto aparte de los deftones, escribía poesía y nunca compuso para Deftones pues sería muy raro para que lo cantara Chino Moreno, (en sus propias palabras).

En fin, un artista porlífico, lleno de vida, que nos dejó todo lo mejor de sí y que seguirá presente por mucho tiempo con sus creaciones.

Hoy le hacemos homenaje y lo recordamos con estos tres temazos que perdurarán por siempre. CHi cheng, descansa en paz, gracias por tu legado y vivirás por siempre en tu música y en nuestros oídos.

Teething

My own Summer

 

Lotion

 



 

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LA MAGIA DEL 5...LA MAGIA HECHA MÚSICA

Algunos dicen deber su suerte al número 7 otros dicen deber su mala suerte al 13, John William Lowery (1971) le ha dado magia, poder y trascendencia al 5. Que de quién hablamos? que ¿cómo así? Pues, John William Lowery, más conocido como John 5, es uno de esos guitarristas que pareciera ser anónimo, pero su relativamente corta carrera, ha estado llena de trabajo, calidad y éxito. John 5 inició su vida como músico a los 7 años y desde entonces no ha dejado de pulsar las 6 cuerdas con las que ha logrado un mundo musical impresionante. Es un músico exquisitamente versátil y eso lo demuestra su extensa producción musical. Desde el 2004 ha lanzado seis trabajos en solitario: Vertigo (2004), Songs For Sanity (2005), The devil knows my name (2007), Requiem (2009), The Art of malice (2010) y el más reciente God told me to (2012). En sus álbumes es impresionante la técnica en la ejecución, la composición y sobre todo el estilo. John 5 deja claro que es un roquero puro y aplica la técnica del banjo a la ejecución de la guitarra, en temas que dejan ver la influencia Bluegrass que adquirió escuchando música al lado de su padre. Antes de ésto fue el guitarrista de Marilyn Manson y durante los últimos años se ha desempañado como el guitarrista principal de Rob Zombie. Al tiempo ha colaborado en bandas sonoras, guitarrista de otros cuantos proyectos y además le encanta dar clases tipo clínica. Entonces,  a escuchar a John 5.
Acá les dejamos unas recomendadas:
Del álbum The Devil Knows My Name (que incluye un cover de Welcome to the jungle de Guns and Roses) la canción Black Widow de La Porte, del álbum Vertigo: Feisty Cadavers y del más reciente álbum (que incluye un cover de Beat it de Michael Jackson) una impresionante pieza al mejor estilo español Noche Acosador (Ultra recomendada).
¿Cómo les quedó el ojo?

Black Widow of La Porte (En vivo)

Feisty Cadavers

Noche Acosador 2D

 

EXITOSA JORNADA EN EL FESTIVAL VERDE 2013 PANAMÁ

El pasado 23 de Febrero, tuvo lugar el Festival Verde de Cultura Musical, evento insignia de la movida alternativa en Ciudad de Panamá y estuvimos allí!
Esta vez el Festival contó con la suerte de tener al monstruo latinoamericano Café Tacuba representando a México y también tuvo la participación de dos propuestas que poco a poco han ganado un gran terreno y reconocimiento en el continente como Monsieur Periné desde nuestra querida Colombia y Astro desde Chile con propuestas electrizantes, novedosas y que dejaron a más de uno boquiabierto y con ganas de llegar a la casa a descargarse el material disponible.

Monsieur Periné mostró de qué estaba hecho y nos puso a todos a bailar swing acolombianado, así como dejó a gran cantidad de panameños enamoradísimos de Catalina su vocalista, ¡hasta le pidieron matrimonio con un cartel!
Con astro, literalmente nos sentimos en el espacio con tanta energía. Toques electrónicos, melodías poco precedibles, letras re-locas y una voz más aguda que la de Catalina. Muy buena propuesta, que ya ha pasado por festivales como el Vive Latino, SXS, y ha tenido un despliegue de energía increíble.
Acá una muestra de estas dos bandas

 

La cuota local, tuvo una buena representación con bandas con estilos que viajaban entre el punk, ska, reggae y rock. Muy destacadas estuvieron las propuestas de Cienfue, que ya nos ha visitado en Bogotá anteriormente y Carlos Méndez también con un rock muy al estilo del sur de nuestro continente.

Por otro lado el Festival contó con un escenario alterno patrocinado por ADIDAS, en el que el foco fue el hip-hop y el graffiti, aunque también se contó con las apariciones de Alfonso Espriella de Colombia y Telefunka desde México. La zona de ADIDAS brilló por su zona VIP en la que podían ingresar los que tuvieran algo original de ADIDAS en su ropa y esto abría la puerta a unos muy buenos pasabocas, cervezas, gaseosas, agua y otras bebidas.

Pero bueno, no todo podía ser color de rosa. El festival nació para abrir un espacio musical de manera responsable, destacando y aplicando prácticas amigables con el medio ambiente y para fomentarlas. Había stands de ong's y negocios verdes, comida, productos, frutas, entre otros, pero en realidad el verde brilló por su ausencia. Se vió opacado por nubes interminables de humo de cigarrillo, el verde del pasto se tornó color gris cubierto de latas, bolsas, basura de todo tipo, no se utilizaron las canecas para la separación de residuos y en fin, fue un festival de todos los colores menos verde.

Lo más chistoso del asunto era ver a todo el público ovacionando a Café tacuba mientras se tiraba sus discursos en defensa de nuestro planeta y la vez expiraban sus bocanadas de cigarrillo llenas de químicos y gases de gran contaminación.

Conclusión: 0% coherencia por parte del público. Sin embargo un punto para el festival y los artistas por hacer el intento.

Por destacar del festival nos queda la excelente producción sonora, la infraestructura y la logística. Lástima que hubo un público muy reducido y no se aprovechó al máximo. Panamá tiene una escena muy incipiente pero hay gran potencial en formación de públicos. El festival verde está dando pasos agigantados en este sentido y pues se le augura gran éxito en sus próximas ediciones.

Unas bandas excelentes, con gran calidad musical, gran puesta en escena y un show de verdad para disfrutar.
Gracias a los organizadores y patrocinadores por hacer posible este tipo de eventos en Panamá donde hay tanta carencia en oferta cultural.

NICK CAVE & THE BAD SEEDS ESTRENAN ÁLBUM ¡STREAM ACÁ!

carátula de Push the Sky Away

 

Nick Cave & The Bad Seeds nos sorprende esta vez con un álbum introspectivo, lleno de calma, con una atmósfera muy particular y con un exitoso intento de melodías que nacen de la naturalidad de la voz hablada.
A través del álbum se nos cuentan historias,  con sonidos básicos, profundos, que encuentran una base sólida en sus percusiones quedas pero firmes, en una voz lejana pero poderosa  y en unas melodías fuera de lo común que logran captar toda la atención y conquistar al oyente en menos de 1 minuto de oir "We no who U R" el sencillo del álbum.

Grabado en un estudio de un antiguo castillo francés, producido por el mismo Nick Cave, quien ha producido muchos de los álbumes de la banda, lograron una obra magistral, el 15° álbum, que marca al oyente y que nos dará mucho de qué hablar.

Push the Sky Away es el nuevo hijo de la banda, y en palabras de Nick Cave "es el bebé fantasma en la incubadora y los loops de  Warren son su diminut y tembloroso latir.

El stream exclusivo lo tiene the guardián, pues el album no se ha lanzado. Así que váyanse ya a este link y escúchense todo el álbum para que comprueben con sus propios oídos de lo que estamos hablando.

Acá sin embargo les dejamos el trailer oficial del lanzamiento del album, y un video en Youtube (en donde ya se publicaron la cancion Jeje) y también pueden pre-ordenar el album en el site oficial de la banda o por que no, ordenar el set de lujo que se ve tremendo.

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¡THE CURE! LA CURA PARA EL ALMA LLEGA A BOGOTÁ

Después de tantos deseos pedidos a estrellas fugaces, después de una interminable espera y después de un 2012 excelente para la música en Colombia; llega finalmente a Bogotá, "La Cura para el alma": THE CURE!

Bogotá recibirá a una de las bandas más influyentes de nuestros tiempos. Con Robert Smith a la cabeza con sus característicos labios rojos y ojos negros, la ciudad tendrá una visita musical para recordar.

The Cure nace en 1976 con un proyecto musical bañado de sonidos post punk, a ratos góticos, reforzados por su imágen oscura. Junto a bandas como Joy Division o Siouxsie and The Banshess, gana fuerza un movimiento gótico, Dark Wave, que fue ganando miles de adeptos en el mundo.

The Cure saca a la luz su primer álbum en 1979 bautizado "Three Imaginary Boys", que se fue de gira por todo el reino unido y fue un hit junto a sencillos como "Boys don´t Cry" y "Someone else's Train". Hits que hoy son más fuertes que nunca y son nuestros bien llamados clásicos.

Hacia 1980 The Cure explora más a fondo el lado oscuro de Robert Smith en la composición de temas y lo lleva al máximo clímax con la publicación del álbum Pornography. Con este álbum sale el sencillo "The Hanging Garden" que con sus letras de verdad nos da una cara a criaturas oscuras y extrañas en un lugar tenebroso. Ante esta exploración de su lado oscuro, The Cure decidió renovar la propuesta, y lo hizo inyectándole un feeling pop y con sonidos electrónicos, como con el sencillo "let's go to Bed" o "The Walk" en el 83, sencillo con el que siguieron experimentando con el sonido dance-groovy-electro-dark.

En el 87 sacan su monumental álbum doble Kiss me Kiss me Kiss me, que trajo consigo los toures más memorables con las mejores presentaciones en vivo en la vida artística de la banda. Salen unos sencillos con toques musicales enérgicos y con muchos teclados con unos ritmos bastante bailables; tal es el caso de "Why can´t I be you" o un poco más melodramático como " catch", pero sin duda, un clásico muy ceñido a la personalidad musical creada por The Cure fue " Just like Heaven" que aún con gran predominancia de los teclados y riffs pegajosos, mantiene su esencia un poco oscura y curesca, que tanto nos ha enganchado. Este  álbum es una muestra de todo el rango de estilos que maneja The Cure, y podemos encontrar muchísimas influencias del dance pero en una armonía perfecta con el rock y los sonidos frios que hizo famosa a la banda. Justo después de este álbum aparece uno de los sencillos más admirados, reconocidos y santificados de la banda "Lovesong", de la mano de "Desintegration", Es un himno y lo seguirá siendo por mucho tiempo. Incluso la banda 311 le hizo un cover que también goza de una excelente acogida.

En el 92 lanzan el álbum Wish, considerado por muchos, el mejor trabajo de la banda hasta la fecha. y ¿cómo no iba a serlo? en este álbum está el sencillo conocido muy bien por todos y coreado cada vez que suena: "Friday I'm in Love", un tema feliz que cada vez que comienza nos pinta un arcoiris y una sonrisa en el rostro. Está acompañada de las más oscuras "High", "Open" o "Trust" temas también sobresalientes de este álbum, pero que dejan atrás el arcoiris y siguen construyendo en esa personalidad musical tan imponente de la banda. Con Mixed up y Wish , The Cure alcanza gran reconocimiento nacional y gana el premio a mejor banda británica.

Con este gran respaldo, siguen grabando y sale el "Wild Mood Swings" que fue top ten en casi todo el mundo, en este álbum sale un sencillo bastante interesante "The 13th" que nos sorprende con trompetas al mejor estilo latino y con un ritmo que nunca hubiéramos esperado de los Cure. Es un experimento bien exclusivo en el repertorio de la Banda y que incluso alcanzó a estar en el top 10 de varios rankings en el mundo, junto a su otro sencillo "The Mint Car".

En el 2007 ya posicionados y reconocidos mundialmente e incluso rotando en todos los canales musicales como MTV, lanzan el tan aclamado álbum "The Cure".  Con el sencillo "The End of the world, alcanzan generaciones más jóvenes y se popularizan muchísimo. La banda se convirtió en un "must" en los grandes festivales europeos, norteamericanos y de américa latina. Tuvieron una excelente aparición en los premios MTV latinoamérica que siguió a presentaciones excelentes en el Download Festival y una gran concierto en México.

Lo más reciento de The Cure es el 4:13 Dream, álbum con estrene en el 2008. El álbum ha obtenido un 69 sobre 100 en calificación en Metacritic. Este puntaje se obtuvo por sus review positivos en general. Aunque la mayoría de críticas catalogan el álbum como una obra clave en la historia de la banda, otros lo critican por su ligereza  y comodidad excesiva en la composición de sus letras.

Ya estamos en 2013, y Latinoamérica recibe con los brazos supremamente abiertos a The Cure. Este tour tan esperado abarca Brasil, Chile, Argentina, Colombia, Perú, México y Paraguay y tendremos la fortuna de ver a nuestra cura para el alma y gozar a grito herido los hits de los Cure y saltar hasta el amanecer.

Vayan ya mismo a comprar sus boletas en tuboleta.com y estúdiense las canciones para que se la gocen con toda el próximo 19 de Abril en el Simón Bolívar.

Bogotá capital de la música, inicia el 2013 con pie derecho.

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¡Oye, RADIOHEAD! El sonido de un verdadero mundo Nuevo

“Hey, radio head! The sound...of a brand-new world” Fragmento de Radio Head de los Talking Heads                                                                                                                                             

UN VIAJE POR LA MÚSICA DE RADIOHEAD.

Por Alfredo Sánchez Aguilar

Quién podría imaginarse que el título de una canción que roza los tintes de la ridiculez y cuya música no pasa de ser una composición estándar medio pop, sería el nombre de una de las agrupaciones que más ha revolucionado el mundo moderno de la música, es decir, esta banda es todo lo contrario a lo que representa el origen de su nombre. Quizá la única frase de la letra de Radio head de los Talking Heads que podría describir y ser profética en cuanto a lo que inspiró, es la que le da el título a esta entrada.

La historia de Radiohead tiene sus inicios a finales de los 80’s y desde ese entonces la música del lado occidental no volvió a ser la misma. Con el lanzamiento del álbum Pablo Honey en 1993 y el gran mega hit Creep, todo el planeta se enteró de la existencia más oscura y deprimente que provenía de Inglaterra.
Luego de esto, el disco The Bends, lanzado en 1995, mostró otro lado de la banda, uno triste pero con ciertos aires un poco más grunge y fue la encasillada que más le costó a la banda llevar a cuestas, canciones como My iron lung y The bends hicieron justicia a todo este asunto grunge, sin embargo en todo el disco predominan las guitarras acústicas que con los años se convertirían en parte del arsenal más usado al momento de hacer música.

Con todo el gran éxito, sólo le tomó 2 años a la banda sacudirse de todo el marketing y el acoso de las disqueras. De esta manera en 1997 dieron a luz el inmortal Ok Computer, un álbum que se paseó por todos lados a nivel musical: el acústico, el fuerte y el electrónico experimental. Las letras estuvieron a otro nivel y se creyó incluso en la intensión de generar cierto discurso orientado a la crítica social en cuanto a la relación con la evolución de las condiciones humanas. Fitter happier llegó a parecer un manifiesto irónico a las nuevas costumbres sociales de los hombres y en seguida el álbum se descargaba con toda en son de protesta con la cruda realidad expuesta en Electioneering. Definitivamente fue el álbum fronterizo de Radiohead, la mezcla perfecta entre sus álbumes anteriores y la evolución que ya decían buscar. De ahí en adelante todo fue diferente. 
El Kid A (2000) y el Amnesiac (2001) dos álbumes hermanos, dejaron a todo el mundo en un limbo, el cambio fue casi que radical. Radiohead dio relevancia a los teclados y a las guitarras (eléctricas y acústicas), mezcladas con toda clase de “juguetes” electrónicos. Las letras sorprendieron por lo metafóricas y por lo breves. Las supuestas reglas de verso - coro - verso estaban siendo transgredidas delicadamente. Radiohead perdió unos pocos seguidores y se ganó toda una audiencia especializada. Canciones como The National Anthem, Idioteque, Morning bell, I might be wrong y Knives out, fueron claves para entender qué estaba pasando con Radiohead otras desviaban un poco la atención y se hicieron de más difícil digestión pero no menos buenas que las mencionadas, en esta lista de nuevas canciones podrían nombrarse temas como Kid A, Like spinning plates y Life in a glass house que incluye unos magníficos y trágicos vientos que se vislumbran con leves toques de jazz y blues.

Luego de esto pareciera que Radiohead intentó volver un poco atrás con el álbum Hail to the Thief (2003), sin embargo y a pesar de que canciones como There There y Go to sleep trataban de darle ese aire al estilo antiguo de la banda, los demás temas seguían mostrando su interés por los experimentos melódicos y electrónicos. Hail to the thief se percibe como un álbum transitorio, disco para pensar un poco y escoger un camino. El tema We suck Young blood era la canción hermana de Life in a glass house, incluída en el disco anterior. Aquí entonces descubrimos un patrón: Creep, Fake plastic tres, Lucky, Motion picture soundtrack, Life in a glass house y We suck young blood, todas eran hermanas. Cumplían la función de ser agentes tranquilizantes en cada uno de los discos a los que pertenecían.

Los dos álbumes siguientes In Rainbows (2007) y The King of limbs (2011), son los sucesores del Kid A y el Amnesiac. Son más complejos a nivel rítmico, las líricas son más breves, los “juguetes” electrónicos son más notorios y el uso de armonías es dinámico y en ocasiones repetitivo, incluso se repiten algunas de las melodías usadas en álbumes anteriores. ¿Qué los hace valiosos? Las atmósferas que logran crear, el viaje en la música, esa sensación de vuelo que lleva al adicto a Radiohead a entender qué se quiere decir. Además de la sinceridad que los dos álbumes lograron transmitir a través del programa From the basement. Son videos que vale la pena ver. Estos dos álbumes también tienen sus agentes tranquilizantes, en el primer cd de In Rainbows encontramos Videotape, el segundo cd es también un viaje a través de todos los estilos que ha trabajado Radiohead, es un buen cd para escuchar y entender qué quiere Radiohead. En King of limbs, Codex es el tema que nos regala un poco de tranquilidad dentro de tanto loop, sampler y máquina rara.

En fin Radiohead ha llegado a un punto en que definitivamente es una banda única, su evolución puede ser comparada con la evolución de bandas como The Beatles o Pink Floyd. No cabe duda de que se merecen uno de los mejores lugares en la historia de la música y que ojalá sigan haciendo cosas tan experimentales y tan buenas.  

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LA MOTTA: LA REVOLUCIÓN DEL TAMBOR Y LA GOZADERA HECHA MÚSICA

Por Adriana Yee Meyberg

Según la Real Academia de la Lengua Española, una mota es:

mota.

(De or. inc.).

1. f. Nudillo o granillo que se forma en el paño, y se quita o corta con pinzas o tijeras.

2. f. Partícula de hilo u otra cosa semejante que se pega a los vestidos o a otras partes.

3. f. Mancha, pinta o dibujo redondeado o muy pequeño.

4. f. Defecto muy ligero o de poca entidad que se halla en las cosas inmateriales.

5. f. Pella de tierra con que se cierra o ataja el paso del agua en una acequia.

Pues bien, así como una mota que no se despega de sus sacos, llega La Motta, un proyecto musical nacido en el distrito capital. Un grupo que llega a quedarse sonando en el cerebro y que no se despegará pues llega a fastidiar el estatus quo.

La Motta  está conformada por Guillermo Ceballos (Guille) en la guitarra, Alfredo Sánchez (Alfred) en el bajo, Kevin Vásquez (Joko Motta) en la voz y John Gómez (Johnny) en la Batería.

Desde sus inicios la idea central de la música de La Motta ha sido fusionar sonidos rock, sonidos latinoamericanos y rap. Esta fusión se debe principalmente a las historias y formaciones musicales de cada uno de los integrantes, quienes traen elementos picantes y emocionantes a este mix musical.

Todas sus historias han hechos del sonido de la banda una mezcla perfecta entre el sabor de la salsa, la cumbia y el merengue, el poder y la fuerza del rock y el carácter contestatario característico del rap. Las letras de La Motta se centran en la rumba, el amor y la libertad con espíritu rebelde y con un gran interés por rescatar los derechos y el valor de las costumbres y alma latinoamericanas.

"Si no podemos cambiar el mundo, por lo menos cambiaremos nuestro propio mundo". Bajo esta convicción existe La Motta. La agrupación se dedica a hacer música que alegre corazones, que exalte mentes y electrice cuerpos.

Convencidos de que corazones alegres y unidos hacen más que corazones opacos, La Motta hace música en comunidad y la lleva a todos sin ningún tipo de frontera. Rumba y revolución como estandarte de la banda guía el curso de este gran proyecto.

Apoyados en su música incursionan en proyectos y causas sociales, ecológicas y culturales y con entusiasmo gritan: "¡porque si no se puede bailar... no es nuestra revolución!"

Acá les dejamos un video de su presentación en el showcase de Bogotá Ciudad Rock 2011, en la que tuvieron una destacada participación. ¡A bailar para cambiar el mundo!

Pueden seguir este gran proyecto en redes sociales en http://www.facebook.com/lamottabogota
y en twitter @lamottabanda

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FESTIVAL SOMA 2011-MUCHA EXPECTATIVA, DÉBIL PRODUCCIÓN

Anoche 3 de noviembre se llevó a cabo en Bogotá el Festival Soma, Arte y Tecnología. 2011. El festival que contaba con un excelente cartel de artistas se quedó corto en cuanto a la producción general del evento. Cabe destacar que de tecnología no tenía sino el nombre y unas pequeños artefactos regados por el lugar.

Después de varios meses de haberse hecho pública la noticia de que Interpol sería parte del cartel del SOMA 2011 y que estaría al lado de tremendos artistas como Booka Shade, Polarsets, Superlitio, entre otros, por fin llegó el tan esperado 3 de noviembre y las expectativas crecieron como la espuma. Sin embargo desde la entrada uno empezaba a dudar de la calidad del evento. El lugar: una bodega abandonada que dejaba la impresión de haber sido donada por algún patrocinador buena gente y que no tiene ninguna idea de acústica. Pobre adecuación y ningún tipo de muestra de tecnología a parte de unas pantallas ni siquiera visibles con unas imágenes. El sistema de sonido puede que haya sido el apropiado pero el lugar no era el más adecuado para tratar con respeto a los artistas y a los asistentes.

Los músicos dejaron la piel en el escenario y lo dieron todo para tapar con su música (bueno a los que no se les cayó parte del escenario) la terrible acústica del lugar. La gente trató de responder lo mejor que pudo y gozarse el evento hasta el final, el ambiente de rumba y la pola fría hicieron que los asistentes poco a poco olvidaran que estaban tan abandonados por los productores del evento como la bodega por su dueño. Sin embargo aquellos que por diferentes razones no pudieron sumergirse en las delicias del alcohol y que lo único que querían era ver a sus artistas y escuchar su música, tuvieron que acudir al romanticismo del fan para disimular el enojo que daba estar en un evento con tantas debilidades.

 

Lo positivo de la jornada, fueron los artistas quienes a pesar de las malas condiciones para el concierto, sudaron la gota gorda y dejaron el alma en el escenario.

Se le abona a los organizadores el hecho de crear estos espacios que permiten traer artistas de un nivel diferente y que piensan en otro tipo de público, se sabe que en Colombia es bien complicado realizar eventos de carácter independiente y con tintes underground, pero eso no es excusa para no tener cuidado con la calidad del evento. De no ser por los artistas, el festival no hubiera pasado de ser un “toque” más de garaje. Después del Coliseo cubierto el Campín el peor lugar para hacer un concierto es una bodega.

Esperamos que para la próxima venida de Interpol, que al parecer quedaron muy contentos con el público, podamos verlos en un espacio acorde con la calidad de la banda y con las condiciones para apreciarlos de verdad. Asimismo esperamos que en el próximo SOMA se vuelvan a traer artistas grandes pero que sea un evento con mucha más calidad.

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¿POR QUÉ NO TUVO ÉXITO ROCK AL PARQUE?

¿Se acerca el ocaso de Rock al Parque o es sólo coincidencia?

Las proyecciones para el festival de este año, calculaban una asistencia de alrededor de 350.000 personas, sin embargo el balance final muestra que la asistencia rondó las 266.000 personas, siendo el lunes de cierre con Calamaro el día cumbre y el sábado el día de menor aforo.

Pues puede haber varias razones, el caso es que aquí presentamos algunas hipótesis

1. Bandas poco conocidas: Una de las primeras razones que se vienen a la cabeza es que este edición de Rock al Parque no contó con bandas tan reconocidas como las versiones pasadas, los invitados internacionales fueron de buena calidad pero no eran tan grandes como otras veces, ésto pudo despertar menos interés en los Bogotanos y asistentes habituales de otras ciudades y países latinoamericanos.

2. Lluvia capitalina: Aunque el sábado contamos con suerte y no llovió, el resto de días el clima no fue un aliado de los rockeros. Mucha gente se desanima radicalmente con la lluvia, aunque en otras versiones de rock al parque, la lluvia fue una asistente fiel y no afectó en gran medida la asistencia.... con la obvia excepción de la granizada ¡jeje!

3. Situación económica colombiana.... y mundial: A pesar de que Rock al parque es un festival gratuito, muchos de sus asistentes provienen de otras ciudades de Colombia y Latinoamérica, pero la dura situación económica que azota al mundo y sobre todo a nosotros los caminantes de a pie, es un factor decisivo a la hora del consumo cultural. Ir a Rock al Parque implica comprar pasajes o paquetes turísticos, pagar posada, comida, transporte, etc. En el caso de Bogotá incluso el hecho de transportarse los tres días de casa al parque y del parque a casa puede significar dejar de consumir cosas que quizá sean fundamentales para las personas asistentes. Ingreso Vs. Consumo cultural tienen una relación directamente proporcional.

4. Sábado, oferta de bandas muy plana: Si bien en las versiones anteriores de Rock al Parque el día sábado, el día legendario del metal fuerte habíamos podido encontrar varios subgéneros del como heavy metal, gothic metal, symphonic metal, powermetal, blackmetal y hasta folkmetal, encarnado en bandas como Kraken, Haggard, Apocalyptica, Carcass,Coheed and Cambria, entre otras, esta versión brilló por ser muchas bandas iguales, quizá un sonido muy plano toda la jornada, las bandas de muy alta calidad pero faltó variedad, pudimos encontrar mucho death metal y black metal, Samael tuvo una presentación impecable al igual que Shadows Fall, pero uno queda con ganas de algo más.

Bueno, estas son algunas de las razones que se le ocurren a uno, pero en realidad, ¿Si fue un fracaso? o ¿Simplemente proyecciones poco acertadas? o ¿Casualidad?

Pues digamos, que eso del número de asistentes es sólo un dato entre tanta información que acapara Rock al Parque. Después de todo el Balance fue positivo y exitoso.

El festival no sólo convocó a una cantidad de personas significativa, sino que logró un mayor posicionamiento nacional e internacional, abrió muchísimo más sus líneas de emprendimiento y academia a la población, amplio la oferta de clínicas, debates, foros, conversatorios y conferencias al rededor del rock y además aumentó el apoyo financiero a las bandas participantes del festival!

Además Rock al parque se proyecta como un festival que pisa fuerte y está aquí para quedarse. Con el proyecto de memoria se articula Rock al Parque con las políticas culturales de la ciudad para el fomento del rock profesional y además se ha realizado un libro, un documental, una convocatoria fotográfica, una serie de afiches y un CD compilado en honor al festival.

Además de eso Rock al Parque ha logrado una mayor descentralización con transmisiones continuas por Canal Capital, Radiónica y logró una nueva alianza con ETB para la transmisión por Internet en vivo, como si fuera poco Rock al parque estuvo presente con todos los detalles en las redes sociales como Facebook y Twitter, informando a los cibernautas sobre los sucesos del festival y las bandas participantes.

Es claro que Rock al Parque es un festival para todos y que cada vez nos apropiamos más de él.

Más allá de las cifras, Rock al Parque fue un gran éxito y sigue demostrando por qué es el festival gratuito de Rock más importante de toda Latinoamérica. ¡Larga vida a Rock al Parque!

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