PROYECTO ÁGORA- Emprendimiento en torno al software libre

En estos días mientras surfeaba en la red, me encontré con un gran proyecto En Bogotá, Colombia (por ahora), el cual quiero en esta oportunidad exaltar y dar a conocer por su gran misión y lo importante que resulta a la hora de vertebrar y solidificar toda una cultura en torno al software libre. Me refiero al Proyecto Ágora, el cual es una sinergia entre organizaciones compuesta por la Fundacion Casa del Bosque, la Red Ágora, Distribuidora Mintalai y GNU-Pubilicidad,la cual crea, fomenta y promueve escenararios destinados a la promoción y uso masivo de tecnologías de software libre.

Cada una de estas organizaciones desde su ámbito logra cubrir grandes necesidades informáticas del entorno y lo encausa por sendas cuya naturaleza es más libre y propende por una democratización de la información. Hablamos pues de sistemas y escenarios gestados en su totalidad con GNU/Linux y todo el software libre que hoy en día podemos encontrar para todas las necesidades.


De esta forma, las organizaciones componentes se esecializan en las siguientes misiones:

Fundación Casa del Bosque apoya y genera escenarios para la promoción, divulgación, investigación y formación en áreas afines a las tecnologías de software libre.En esta fundación se ofrecen cursos y capacitacioens y espacios de investigación y cultura en los que la gente tenga la oportunidad de apropiarse de la tecnología a través de software libre.

Red Ágora genera centros de conectividad soportados en tecnologías de software libre para su promoción y uso cotidiano. Tiene diferentes ramas o líneas de acción entre las cuales podemos encontrar: Ágora barrial, campesina, escolar, universitaria y verde; proveyendo según las necesidades, estaciones informáticas aptas para su uso y apropiación en todo escenario.

Distribuidora Mintalai: ofrece tecnologías de hardware y software, dispositivos periféricos, suplementos y soporte en funcionamiento con todo sistema de naturaleza libre.

GNU Publicidad: provee servicios de publicidad, alquiler de equipos de proyección, sonido y video a las organizaciones vinculadas con la comunidad de software libre.

Así mismo, el Proyecto Ágora ha establecido diversas alianzas para la realización de jornadas de instalación de Ubuntu (en alianza con Ubuntu Colombia) de modo que día a día la penetración del software libre sea más profunda en la sociedad colombiana.

Vale la pena resaltar el importante papel que desempeñan estos emprendimientos y cómo todos nosotros debemos estar al tanto para cooperar, participar, divulgar y apoyar estas iniciativas tan necesarias hoy en día. Para más información haga click en Proyecto Ágora.

Bien por el proyecto y la invitación es a seguir emprendiendo y abogando por una cultura más libre.

foto 1 tomada de http://www.proyectoagora.org
foto 2 por extra ketchup
foto 3- película libre gestionada en blender-por MikeWasFractal

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La Revolución Literaria China

foto extraída de www.marxists.org/archive/lu-xun/images/

Es difícil encontrar en la historia revoluciones que se hayan dado enteramente en una fecha exacta. Sin embargo, el 4 de Mayo de 1919 en China fue justamente lo que se dió. En el escenario de la revista "Nueva Juventud" se gestó lo que hasta hoy conocemos como la revolución Literaria, gracias a que se dejaron atrás las exclusividades para ilustrados escritores clásicos, así mismo como el idioma empleado para la literatura que sólo podía ser comprendido por este reducido círculo. El monopolio de la literatura China acabó para dar paso al lenguaje común y corriente como medio literario.

El movimiento 4 de Mayo fue esencialmente político pero tuvo un enorme impacto y aún más grande en el ámbito de la literatura como podemos observar.
La revista "Nueva Juventud" apareció por primera vez en Pekín en Septiembre de 1915. Su editor era Chen Duxiu. En sus ediciones mostraba inclinación por las nuevas corrientes literarias Europeas, principalmente el romanticismo, el realismo y el naturalismo.
El gran líder de esta revolución de la literatura China fue Hu Shi(1891-1962), quien fue pionero en la escritura de todos sus poemas en lengua vernácula, oponiéndose al tradicional lenguaje empleado en la literatura. Al círculo de Hu Shi, pertenecían Chen Duxui, Li Dazhao y los hermanos Zhou Zuoren y Zhou Shuren, este último más conocido como Lu Xun (Lu Sin), quien es hoy un modelo y figura primordial en la literatura China, muchos lo conocemos por relatos como "Diario de un Loco" y
"La Verídica Historia de A Q", así como otros importantes relatos.

Chen Duxui(izquierda) y Hu Shi. foto de wikimedia commons.

Lu Xun(Lu Sin)está considerado el padre de la literatura moderna en China. Formó parte de la Liga de Escritores de Izquierdas, grupo de intelectuales afines al Partido Comunista Chino, y se destacó por sus ataques a la cultura china tradicional y su defensa de la necesidad de acometer reformas profundas en la cultura y la sociedad chinas. En este sentido, abogó por la reforma lingüística, siendo uno de los primeros escritores que, siguiendo las ideas de Hu Shi, utilizó la lengua vernácula (白話 / 白话 báihuà) en lugar del chino clásico (文言 wényán) como medio de expresión literaria.

En enero de 1917, Hu shi publicó en la revista, un artículo que pasaría a la historia, titulado: "Modestas proposiciones para la Reforma de la Literatura". Se sugerían 8 proposiciones. El escritor debía:

1. Asegurarse de que su escrito tuviera substancia
2. No imitar a los antiguos escritores
3. Poner mucha atención en la presición de la gramática y el estilo
4. No quejarse sin una causa legítima
5. Nunca usar clichés ni una dicción gastada
6. Evitar usar alusiones a los clásicos
7. Evitar el uso de paralelismos, es decir, la usanza literaria de acoplar tanto el
sonido como el sentido en dos líneas u oraciones.
8. Ejercer la libertad de usar expresiones en lenguaje familiar

Ese fue entonces el incio de la literatura moderna de China.
Del renacer de la literatura en 1919, podemos mencionar tres ejemplos de obras que aún hoy están arraigadas en el pueblo chino como muestra de su sentir y su herencia cultural: Silueta de una Espalda (Bei Ying) de Zhu Ziqing, El valor del Sudor (Han shui de qi shi) de Shao Xian y La estrella de mi abuela (Nai nai de xing)de Shi Tiesheng.

texto de referencia: Rasgos de la Cultura China, Mayra Fernández de Schäfer

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LA MÚSICA COMO DISCURSO SONORO- Nikolaus Harnoncourt

En medio de nuestra sociedad materialista y en vías de deshumanización, encontramos unas palabras que nos exhortan a tranformarnos y transformar el medio con el arte; esperando que estas palabras e invitación nos llamen la atención y nos muestren quizá un camino que hemos descuidado, traemos este extracto de un discurso del gran director de orquesta Nikolaus Harnoncourt.

Nikolaus Harnoncourt (Berlín, 1929) ha sido uno de los pioneros de la interpretación musical con criterios históricos. De nacionalidad austríaca e hijo de familia aristocrática, se formó musicalmente en Viena. El año 1952 ingresó en la Orquesta Sinfónica de Viena como violonchelista. Un año más tarde fundó el Concentus Musicus Wien. La recuperación de las óperas de Monteverdi, las novedosas producciones de las de Mozart o la primera grabación del ciclo completo de las cantatas de Bach (en colaboración con Gustav Leonhardt) son hitos importantes de su trayectoria artística. Su actividad se ha centrado cada vez más en la dirección orquestal, en un constante afán por descubrir nuevas perspectivas del gran repertorio sinfónico.


El año Mozart 2006 se abrió el 27 de enero (250 aniversario del nacimiento de Mozart) en Salzburgo con un discurso de Nikolaus Harnoncourt, que a la vez interpretó la Sinfonía en G Menor de Mozart, con la Orquestra Filarmónica de Viena. Este es un extracto del discurso:

¿Qué más puedo decir sobre Mozart? Nadie está capacitado para ello. Durante este año Austria es sinónimo de Mozart. Pero este hecho no tiene nada que ver conmigo. Me temo que es más cuestión de hacer dinero y de negocios. Deberíamos sentirnos avergonzados. Lo que Mozart nos pide y nos ha pedido durante más de doscientos años es muy simple: deberíamos escuchar en silencio y atentamente, y si fuéramos capaces de entender sus ruegos y súplicas, después como ya he dicho, deberíamos sentirnos avergonzados de nosotros mismos en vez de sentirnos tan orgullosos.
El arte y la música son una parte esencial en la vida; se nos dan para contrarrestar lo práctico, útil y explotable. Entiendo perfectamente a qué se refieren algunos filósofos cuando afirman que es el arte y la música en concreto la que hace al ser humano como es. [...] Las generaciones recientes se han concentrado cada vez más en lo que es directamente utilizable con la creencia de que la esperanza de felicidad solo se puede encontrar en las cosas materiales.


La felicidad se equipara a la prosperidad y ésta con las posesiones: Cuanto más poseo mejor me siento. Esta actitud ya influye en la educación y en la escuela. Todas la materias artísticas, todas las cosas que representan un desafío a la imaginación y son indispensables para la vida están siendo suprimidas de manera gradual. [...] Si el arte no tiene la misma importancia que la lectura, la escritura y la aritmética, y si la idea de inutilidad lo domina todo, entonces existe el peligro de que el materialismo y la avidez adquisitiva se conviertan en la religión de nuestro tiempo.
¿No hemos llegado ya a tal situación? Hace unos años el Cardenal König dijo: "El
camino que ha tomado Europa nos lleva a un callejón sin salida: la tecnología tiene prioridad sobre la ética, el mundo de los objetos es más importante que el valor de las personas". [...] El arte contiene algo desconcertante, algo que no se puede explicar; su fuerza invisible es poderosa y peligrosa, su efecto subversivo. Es por ello que la gente en el poder siempre lo han querido explotar. Sin éxito –porque el arte es resistente y uno no se puede apropiar de él ni controlarlo—. Pedimos al arte que nos sea de utilidad, poderlo controlar e incluso alardear de él.

En la actualidad la gente busca encontrar la paz y la relajación después de una larga y tediosa jornada de trabajo y recuperar fuerzas para volver a la ajetreada vida diaria a través de la música. Este es un paso peligroso en el largo proceso de convertir al arte en algo útil. Los grandes compositores apenas hicieron uso de esta tendencia. Era mucho más que eso: la reacción de los sentidos a la situación espiritual del momento. El arte es y sigue siendo un espejo que ayuda a la gente a reconocerse, permitiéndole mirar dentro del abismo.

[...] El arte nos guía, de hecho nos empuja a llegar a cierto tipo de realización: es el espejo en el que debemos reflejarnos. Para evitar esto, la gente ha asumido una manera de aproximarse al arte como algo meramente estético o popular. Es decir, se escucha música bonita y se miran fotos bonitas. [...] Nuestro conocimiento histórico o biográfico, hablando en general, es de hecho no conocimiento. Lo adquirimos indirectamente y creemos que somos testigos presenciales. Damos las imágenes de la televisión como hechos y creemos que estuvimos allí, pero nuestros corazones no se sienten afectados. La realidad es otra. Fue muy diferente. Nunca sabremos la verdad sobre Mozart; es la imagen que nos creamos nosotros la que consideramos verdadera.
Únicamente su música contiene la verdad.


Extraído de
La música como discurso sonoro
Nikolaus Harnoncourt
ACANTILADO
El Acantilado, 139
84-96136-98-1
344 páginas – 19 euros
Traducción de Juan Luis Milán

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LA CULTURA EN MEDELLÍN DE LOS ÚLTIMOS DÍAS.

Durante estos días se están llevando a cabo diferentes manifestaciones culturales en muchos espacios del departamento paisa. En Medellín se puede pasar fácilmente de estar viendo las obras de Botero a ver una colección exclusiva de Picasso, después escuchar las declamaciones de los poetas invitados al Festival Internacional de Poesía y por qué no apreciar una muestra fotográfica y de video en conmemoración del 50 aniversario de la Revolución Cubana.
En el Museo de Antioquia se está exponiendo la exclusivísima Suit Vollard, considerada una de las más importantes en la historia del arte ya que muestra varias de las técnicas usadas por Picasso. Quizá la sección de esta Suit con más importancia para los críticos, son las obras dedicadas a la figura mitológica del Minotauro y las del Taller del Escultor. Suit Vollard

En cuanto al XIX Festival Internacional de Poesía de Medellín, convocado y organizado por la corporación de arte y poesía Prometeo, hay que decir que es uno de los festivales más importantes a nivel mundial en este género. Este año convocó a poetas de África, América, Asia y Europa. Tuvimos la oportunidad de asistir al recital de Nicole Brossard de Canadá quien con un delicado y elegante francés deleitó al público. También escuchamos a Alice Sun-Cua de Filipinas que sobresalió con su poema Crossing the Street with Mother. Cabe resaltar que en los casos de poetas extranjeros, estos siempre estaban acompañados por su respectivo lector en Español. Este festival durará hasta el 11 de Julio. El libro de las memorias del festival de este año se puede adquirir fácilmente después de cada uno de los recitales y el costo es poco para el valor cultural que tiene.

foto por aaron escobar. algunos derechos reservados.flickr.com

También de manera gratuita se está realizando una muestra de video llamada Video Experimental y Video Arte: Artistas de Cuba. Es una muestra fotográfica y fílmica en la que se resaltan diferentes aspectos de la revolución cubana. Dentro de los participantes cabe resaltar las muestras de Jeanette Cávez Ruíz, José Ángel Toirac Batista y Jorge Wellesley. La primera con una serie muy interesante de videos sobresale con Autocensura y Estado Ausente. Sin embargo sus otras obras dejan un gran impacto en el que las ve. El segundo deja en shock al público con el crudo y brutal Shoot (1’32’’) Un video en el que se muestra el montaje de un fusilamiento ocurrido en Santiago de Cuba. El último con una muestra bastante llamativa llamada sinSONYdo intenta hacernos entender una deconstrucción del lenguaje del video, llegando a una crítica sobre la publicidad.
Esta muestra de video y fotografía estará disponible para el público paisa o para todo aquel que deambule por las calles de Medellín, hasta el 9 de agosto del presente año.

foto 1 por zeafra
foto 2 por dom dada.
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PINTURA CONTEMPORÁNEA

Precursores e Inicio de lo Contemporáneo

Desde la fluidez del impresionismo, pasando por la pasión de las pinceladas del expresionismo, la perfección de sistemas cromáticos, divisionismo, puntillismo, diversos estilos y características, son sólo algunos de los elementos que podemos destacar de los más importantes iniciadores de lo que hoy denominamos contemporáneo, son sólo algunos aspectos que podemos tratar de los precursores de las tendencias actuales, de los movimientos creados y caminos que todos nosotros hoy en día cursamos.
La pintura contemporánea es difícilmente abarcable y concebible sin mencionar algunos artistas de la segunda mitad del siglo XIX: Cézanne, Seurat, Van Gogh, Gauguin, Munch, Klimt, Ensor y hasta cierto punto, Monet, Rousseau, Dégas y Redon.
Cézanne busca darle vida a las obras de museo, hace un amplio y minucioso estudio de los tonos y substituye el modelado por geometrismos que brindan mucho volumen así como perfectos degradados y estudios de color, lo cual le brinda una excepcional perfección a sus obras que retoman a Poussin y lo rehacen al natural, busca dejar atrás la fluidez del impresionismo y lo momentáneo de este estilo y somete el arte a la inteligencia creadora.
Al igual que Cézanne, Van Gogh se aleja del movimiento y temporalidad del impresionismo, busca una mayor estabilidad en sus pinturas, pero a diferencia del equilibrio museal de Cézanne, Van Gogh transmite a cada una de sus obras una gran pasión y busca expresar en todas ellas sus sentimientos, angustia, dolor, entusiasmo, pasión; éstos son gritos de cada pincelada componente de las obras de este holandés. Van Gogh fuerza los colores a su extremo, y con líneas negras rodeando sus figuras radiantes de color logra una furia del color característica. En una carta a su hermano Theo, le escribe: “He tratado de expresar a través del rojo y el verde las terribles pasiones humanas”. Van Gogh deforma sus figuras, los rostros, pero sin la agresividad tan notoria de otros artistas como Lautrec; la obra entera de Van Gogh respira amor y fraternidad. Sus personajes como el cartero, el soldado, la fondista, han entrado en nuestra memoria colectiva como amigos imaginarios eternos, cosa que no sucede con Cézanne por ejemplo, a pesar de la perfección de sus pinturas.

Para Cézanne lo mismo valía pintar una fruta o una persona o un animal, una persona tenía lo impersonal de una fruta. En cambio, en Van Gogh encontramos que hasta la más sencilla flor, fruta o elemento tiene un alma. En sus últimos días, azotado por una enfermedad mental, plasma en su lienzo paisajes, formas retorcidos en muestra de un desesperado esfuerzo por vivir. Van Gogh es el primer expresionista plenamente dicho; aquél que busca expresar sus sentimientos a través de la pintura.
La posición de Seurat es diametralmente diferente, éste sufre de la fluidez del impresionismo, sin embargo, busca darle una solidez y un esquema más sistemático. Este es el fundador del neoimpresionismo con su revolucionaria técnica: El puntillismo. Seurat deja atrás toda pasión, no busca esa solidez al estilo de Cézanne con planos coloreados, sino por medio de la luz y sombra; ello aplicado al color da al igual que en Cézanne una dominación de azules pero expresada en pinceladitas redondas y pequeñas como puntos. Seurat con base en la teoría del contraste, pinta con colores puros sin ser mezclados en la paleta, y para pintar colores compuestos, el artista pinta abundantes puntos de colores elementales que el ojo del que observador se funden y es lograda una frescura y naturalidad mejor que lo que resultaría de una mezcla en la paleta a mano del pintor. Al dar a conocer su técnica divisionista y puntillista, Seurat logra hacer escuela con Signac y otros adeptos, a pesar de toda la crítica que recibe.

Así, con estos caminos trazados, se habría de desarrollar la pintura contemporánea hasta nuestros días, en la que aparecerían elementos y características de la pasión típica de Van Gogh, equilibrio e intelectualidad de Cézanne y dogmatismo técnico característico del puntillismo de Seurat. De una u otra forma todo sería para una ampliación del espectro y la experimentación en el arte sobre los lienzos y la transformación de los hombres y nuestros caminos a lo largo de la vida.

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WOLFGANG BORCHERT, ENTRE EL PARAÍSO Y LA MUERTE

En tiempos de guerra una generación entera dejó su hogar, una generación entera se despedía sin saber si volvería. En esos años el joven Wolfgang Borchert se adentraba en los frentes de la muerte y sufría las grandes contradicciones entre el pelear en un ejército rodeado de muerte, un ser humano desmoralizado, solo, sin ningún camino que exaltara su humanidad a través de una causa esencialmente destructora, y el deber ser a través de la verdad y los valores de amor y justicia en virtud de una humanidad superior.

Entre tales circunstancias el joven soldado pasa sus mejores años en la Alemania en segunda guerra mundial, sufre la cárcel por cartas que hablan de una verdad que en esa nación era inmencionable y desconocida para el ciudadano común envuelto en medio de propaganda y una guerra que tras bambalinas era un horror inimaginable.

Borchert se convirtió en la voz de su generación, en la voz de una juventud sin esperanza, sin hogar y sin un propósito que perseguir después de una guerra descorazonadora, que podría perturbar hasta el alma del más fuerte. Con sus historias, su poesía y su memorable pieza teatral “Draussen vor der Tür” (afuera ante la puerta), plasma en la historia un grito, uno desgarrador, que sin duda estremecería a la Alemania después de la guerra y a todos nosotros aún hoy haciendo un llamando a decir NO, que al no ser dicho podría ser el fin apocalíptico de la humanidad que en sus últimas palabras al filo de la muerte expresaba. Un no al guerrerismo absurdo que no es de esos tiempos sino que en nuestros días en nuestra sociedad desangrada trata de retomar características fascistizantes encaminado todo hacia la causa de la muerte y destrucción.

En sus poesías e historias, se pueden descubrir varios elementos que si no siempre, casi siempre tienen lugar. Llama mucho la atención la frecuente mención de linternas en sus escritos. Se puede deducir que el joven Borchert expresaba a través de esto, cómo alrededor sólo se “observaba” oscuridad, en una de sus poesías “sueño de la linterna” se expresa el gran deseo de convertirse en una linterna, una que ilumine, que disipe el miedo por la oscuridad, una que guíe y muestre el camino, una que haga compañía en la inmensa soledad, que era el común en esta generación desolada y sin hogar al cual regresar. Con diversas metáforas, con la linterna como protagonista, Borchert nos da un mensaje de vida y de esperanza así como de la necesidad de un cambio.
Junto a este deseo, Borchert combina en su creación literaria la angustia y terrible soledad así como la pérdida de la fe que deja la guerra con historias cortas, concisas, que con simples descripciones de hogar, de retorno a casa, de soledad, de miedo, describen a la perfección no sólo situaciones de la sociedad en guerra sino sobre todo y como protagonista, al ser humano, el ser humano que independientemente de tintes políticos añora el paraíso, el paraíso que puede simplemente ser llegar a casa y ver a la madre que desinteresadamente prepara comida, tal como en la historia “ el reloj de cocina” donde un joven que regresa de la guerra lo único que encuentra es el reloj de su cocina indicando la hora justo en que vivía este paraíso; el resto ha sido destruido por bombas.

El amor también es un personaje en la obra de este escritor, es peculiar la forma de abordar este particular tema, no se encuentra una gran pasión al respecto, más bien encontramos mucho desamor en su experiencia de vida, las mujeres presentes en sus escritos son iluminadas por linternas, son mujeres mojadas por la lluvia, mujeres que en “El beso” viven un instante intensamente y que olvidan todo alrededor, mujeres a las que dice adiós, mujeres de paso, pero sobre todo madres. Las madres son protagonistas en Borchert y pone en ellas una gran cuota de amor y valiosa labor en y para la humanidad.
No es posible olvidar mencionar el gran amor de este escritor a su ciudad natal Hamburgo, la que inspira importante número de sus historias y poemas, el Río Elba que con tanto fervor describe, contempla y acaricia en sus historias; el mar, las tormentas, el puerto, las ventanas iluminadas todo esto podemos encontrar como gran muestra de añoranza del hogar, tal y como lo denomina, “Ciudad, ciudad, la madre entre el cielo y la tierra”

Borchert es expulsado del frente de combate por su inutilidad como soldado, además que sufre una grave enfermedad que lo debilita y lo azota hasta el final de sus días causada por la guerra, regresa a Hamburgo pero en vista de la escasez de medicamentos y alimentos por la Alemania en ruinas viaja a Suiza donde con gran soledad y en un hospital tiene su mayor producción literaria. Muere sin ver el gran reconocimiento, que sin ser esperado, la sociedad y el mundo le brinda al publicarse sus obras e incluso llevándose a las tablas su obra de teatro que pesimísticamente como subtítulo dice:”la obra que ningún teatro querrá interpretar ni ningún público querrá ver”. Borchert se hace conocido en todo el territorio, convirtiéndose en el aliento de sus compañeros de sufrimiento, en voz de la” generación sin despedida” y en desahogo y grito ante tanta inmundicia, soledad y desesperanza.

Borchert muere en 1947 a los 27 años en Basel, Suiza dejando un gran legado y dando de sí mucho más que lo que una vida tan corta generalmente produce. Seguramente en su destino estaba el decir NO, el perseguir la verdad y dejar al mundo una linterna, una de esas que como rayos de sol iluminan la vida y hacen crecer.

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Entre cultura y poesía, Lǐ Bái, el poeta romántico de la dinastía Tang

El gran poeta Lǐ Bái era un amante del alcohol y cuenta la legendaria historia sobre su muerte, que mientras paseaba en una barca en la noche, ebrio,se lanzó al agua para abrazar el reflejo de la luna y se ahogó en el intento.


« 静 夜 思 » «Jìng yè sī»
«Pensamiento en noche serena»

床 前 明 月 光 Luz de luna clara ante la cama.
疑 是 地 上 霜 ¿Será escarcha que cubre la tierra?
举 头 望 明 月 Alzo la cabeza y miro la luna,
低 头 思 故 乡 la bajo, pienso en mi tierra natal

(escritura fonética ó pīn yīn)
chuáng qián míng yuè guāng
yǐ shì dì shàng shuāng
jǔ tóu wàng míng yuè
dī tóu sī gù xiāng

foto por janusz l. flickr.com

En la milenaria china, encontramos a uno de los poetas más famosos que hoy en día es conocido por cada uno de los ciudadanos chinos, hace parte del estudio básico y su poesia Jìng yè sī (pensamiento en noche serena) se compone de cuatro versos que cada niño de China podría recitar sin ninguna dificultad.

El poeta Lǐ Bái de la antigua china , nace bajo el amparo de una familia adinerada. Se dedica a viajar por toda China y construye un espíritu salvaje y aventurero. Su poesía se caracteriza por ser romántica y con construcciones hermosas con un gran uso de figuras literarias, lo cual hace de su obra un aspecto fundamental de lo que conforma la literatura china.

Su poema más famoso, Jìng yè sī (pensamiento en noche serena), el cual describe una imagen de añoranza de la tierra natal, el hogar, se convierte en un símbolo de China y es motivo de hermosas creaciones incluso musicales como la que podemos apreciar a continuación.

Podemos cantarlo con la escritura en pīn yīn que encontramos arriba debajo de los caracteres chinos que componen el poema.





foto1, Lǐ Bái de paseo (s.VIII) por Liáng Kǎi (s.XIII),http://commons.wikimedia.org
foto3 por Huang Xiang y William Rock. flickr.com

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