viernes, 27 de septiembre de 2013

DÍA 3 ESCÉNICA: GESTIÓN SOSTENIBLE Y RESPONSABLE DE FESTIVALES Y ESPECTÁCULOS - GEORGIA MALKI


Sin duda una de las charlas más importantes y relevantes de Escénica fue ésta. Gestión de Festivales Verdes por Georgia Malki, la directora de Seven Star, la productora de espectáculos masivos como Live Earth y Green Festivals.
Acá les dejo la memoria que nos envió Georgia después de su presentación!
Aprovéchenla, aplíquenla y hagamos de este mundo y de nuestro paso por él, algo mejor.

lunes, 2 de septiembre de 2013

ESCÉNICA PANEL 2- PROYECTOS: SOSTENIBILIDAD , TENDENCIA Y EVOLUCIÓN



Por Adriana Yee Meyberg

En este panel, los invitados fueron los proyectos Festival Iberoamericano de Teatro (FIT), Casa Ensamble(CE) y el Festival EstereoPicnic(EP). El objetivo fue obtener conocimiento sobre los secretos más profundos de los proyectos para entender cómo se sostienen y cómo han evolucionado a través del tiempo.

Así pues, el moderador inició la sesión indagando sobre la esencia de cada proyecto, el ADN, cuál consideraban sus líderes era el corazón del proyecto, Acá les dejo entonces un pequeño resumen de las declaraciones.

FIT: Su esencia y ese algo que los mantiene vivos, fuertes y grandes es su esfuerzo y su continuo trabajo en la creación de nuevos públicos. La fidelización de los asistentes al festival es clave para este proyecto. Tanto así que el 50% de su presupuesto total proviene de la taquilla. Adicionalmente refuerzan este componente de formación y fidelización del público a través del componente académico del festival. Cuentan con talleres, encuentros, mesas redondas, paneles, entre otras actividades.

CE: La respuesta fue clara, concisa y contundente. SER ÚNICOS. La unicidad se ha convertido en el tesoro del proyecto Casa Ensamble, en donde su directora ejecutiva lo comparte como el único camino de éxito para los proyectos. Ella cuenta que no han replicado ningún modelo existente, que se han inventado a sí mismos y han logrado construir una plataforma que sólo casa ensamble tiene.
Como segundo factor esencial del proyecto, su directora hace énfasis en que ya no piensan en el concepto de arte, piensan en el concepto entretenimiento, y de esta forma implementan experiencias para los visitantes, que impliquen entretenimiento memorable. Casa Ensamble entretiene con arte.
Como tercera medida, CE cuenta con dos cabezas, una que piensa en el desarrollo artístico y otra cabeza que piensa en el desarrollo corporativo.

EP: El festival hace énfasis en la experiencia, esta experiencia ya no es sólo musical, es una experiencia 360° que debe corresponder a "un día único en la vida". No debe ser sólo ir a ver bandas.
En el frente musical, el festival le apuesta a un cartel compuesto por artistas no tradicionales y que son de nicho, por lo general nadie los conoce, cuenta su director. 
De esta forma han posicionado el festival como un evento, en el que las bandas son de vanguardia e incluso las experiencias de marca con sus patrocinadores son de vanguardia. El festival hoy en día tiene su propia agencia de BTL, creando experiencias cada vez más innovadores para que los asistentes se relacionen de formas amigables y sorprendentes con las marcas participantes. 
 
DIFICULTADES 

FIT: Las salas en su mayoría no están completas, su dotación es insuficiente. "Se paga más en alquiler de equipos técnicos de sonido, iluminación, etc., que  a los mismos artistas" Ana Marta Pizarro cuenta que eso resulta inaceptable, teniendo en cuenta que las salas podrían estar mejor dotadas y sobre todo que el alquiler de estos mismos equipos en otros países como México, salen por una quinta parte del precio.

EP: En Colombia, no hay difusión radial de los artistas que ellos bookean. No hay difusión de los artistas actuales. Esto es un gran obstáculo entre el público y el festival.


CE: Una gran dificultad es el proceso de desarrollar un nuevo concepto y ponerlo en el mercado. En segundo lugar el proceso de formar un equipo ha sido supremamente difícil, cuenta su directora.
El sector cultural aún no está formalizado como debería ser. Apenas las universidades se están interesando en la formación especializada en trabajos como directores artísticos, gestores culturales, técnicos, escenógrafos, vesturistas, etc.
Por otro lado dice: "los artistas manejan una serie de paradigmas y egos que hace el trabajo muy difícil".







martes, 27 de agosto de 2013

ESCÉNICA DÍA 1- PANORAMA ESPECTÁCULOS ESCÉNICOS EN LATINOAMÉRICA -CASOS DE ÉXITO EN LATINOAMÉRICA

Abstract por Adriana Yee Meyberg

Siguiendo con la misión de recopilar aprendizajes del I Encuentro Internacional de Realización y Producción de Espectáculos culturales y escénicos en vivo- ESCÉNICA, continúo compartiéndoles la segunda parte de la charla, en donde los expertos internacionales expusieron casos exitosos en gestión de espectáculos de sus respectivos países.



MÉXICO

Existe un grupo de Teatro independiente que inició con una propuesta artística y conceptual que no complacía al público, todo lo contrario, se dedicaban a hacer teatro de riesgo. Fue difícil al comienzo pero hoy en día ha logrado posicionarse, ha logrado obtener patrocinadores privados e internacionales. Esto lo logrando de la mano de un concepto fuerte, único, muy particular, con gran fuerza de definirse de manera clara y contundente.  Nunca fueron infieles a su propuesta y poco a poco obtuvo una gran penetración en el mercado objetivo.

Otro caso exitoso es el Festival Cervantino. Este festival en su gran magnitud, reúne a  hoteles, restaurantes, agencias de turismo, empresas de transporte e innumerables actores de la economía Guanajuatense alrededor del festival que demanda sinnúmero de bienes y servicios. Es un ejemplo par todo el mundo de articulación del sector cultura y los sectores tradicionales de la economía.

ARGENTINA

El caso compartido por Alberto Lugaluppi, fue el Complejo Teatral de Buenos Aires. El complejo ha tenido varios proyectos exitosos que dan muestra de su gran capacidad de gestión. Ejemplo de ello es la iniciativa de rescatar "El verso Español" como género, traerlo a las salas pero conservar la voz local. Con este proyecto el Complejo abrió temporada en Buenos Aires y al mismo tiempo abrió temporada en Madrid.
Hubo intercambio de artistas entre los dos países, se entrenó en el género a los actores, se logró conservar la voz local y fue un éxito en asistencia.
Por otro lado emprendieron un proyecto de obras de teatro protagonizado por hijxs de exiliadxs de la Argentina, abriendo espacios para que estas personas retornaran a su país y pudieran hacer teatro en su lengua originaria o haciéndole homenaje a sus antecesores.

COLOMBIA

Por último Colombia expuso su caso de éxito: El Teator Julio Mario Santodomingo, que es ejemplo de excelencia en gestión, excelencia en programación y se caracteriza por su gran énfasis en formación de públicos y de traer a la ciudad espectáculos exclusivos de altísima calidad.
El Julio Mario Santodomingo es resultado de una alianza público-privada, cuyo presupuesto se compone de la siguiente forma: 33% proviene de dineros públicos, 33% proviene de la familia Santodomingo y el último 33% proviene de patrocinadores y Taquilla.
Cuenta con 30 empleados y con una programación a largo plazo. Cuenta con su propia Escuela de Formación de Públicos y trae a su sala espectáculos que den cuenta de las creaciones contemporáneas del mundo y de nuestro país.





ESCÉNICA DÍA 1- SESIÓN 1: EL PANORAMA DEL ESPECTÁCULO EN AMÉRICA LATINA


Escénica 2013- Pánel internacional de discusión sobre espectáculos escénicos en Latinoamérica

Reseña- Abstract por Adriana Yee Meyberg

El día de hoy, 27 de Agosto,  inició el I Encuentro Internacional de Realización y Producción de Espectáculos Artísticos y Culturales en Vivo- "ESCÉNICA".
En su primera jornada matutina se dió lugar a dos páneles: "El Panorama del Espectáculo en América Latina" y "Sostenibilidad, Tendencia y Evolución de Proyectos Escénicos".

El primero contó con la participación de Alberto Ligaluppi, director del Complejo Teatral de Buenos Aires; Marisa León, productora y gestora cultural de México; y Ramiro Osorio, director del Teatro Julio Mario Santodomingo, acá en Bogotá D.C.

Así pues, tuvimos una mirada del panorama del espectáculo en el sur y norte de nuestra sur américa.

¡Acá les comparto los puntos principales por si no pudieron asisitir!

MÉXICO

Comenzando por el norte, en México, Marissa, nos compartió un poco sobre el panorama en este país.
Allí el estado es actor principal en la gestión y sobre todo en la subvención y mecenazgo de los espectáculos. Es participante mayoritario de los presupuestos de la mayoría de producciones. Es un sector bastante centralizado en este aspecto; incluso, no existen muchas leyes para la cultura ni para el sector, mucho menos específicamente para los espectáculos en vivo. 

Marisa León explicaba que ésto a pesar brindar fortaleza a cada producción, ha afectado en cierta medida a los artistas y las agrupaciones culturales, puesto que ha dejado de lado la iniciativa privada de manera drástica. Esto lleva a que todos dependan mucho de la "teta" del estado, como lo expresó en sus palabras.

El presupuesto de 1.300.000.000 de EUROS que componen el presupuesto para la cultura en México, dan fé de lo robusto y gigantesco que es el sector cultural en este país. También se calcula que el sector produce más del 8% del PIB total en contraposición al 0.4% que se destina a la cultura del total de presupuesto nacional. Es decir que a pesar de tener un presupuesto gigantesco, no es proporcional con todo lo que se revierte a la economía y con la porción del total que se destina al sector.
En todo México se promedia que hay alrededor de ¡100 espectáculos diarios!, pero que la actividad cultural se centraliza de manera exagerada en el D.F., dejando un poco más desatendido el resto del territorio.
La reflexión llama cuestionar ¿qué tanto más se aportaría a la economía en el caso hipotético de que se invirtiera más?

Otra problemática por la cual Marisa ha trabajado especialmente y por la que ha manifestado una gran preocupación, es el hecho de que en México y en general en América Latina no hay especialización de los trabajos del sector, ni formación suficiente, por ejemplo posiciones como productores generales, productores ejecutivos, gestores culturales, administradores de las artes, técnicos de iluminación, de sonido, escenógrafos, etc.
Tampoco existen becas ni espacios de formación. Esto es una gran oportunidad de mejora en la formalización del sector y la mejora sustancial de todas las producciones, así como la dignificación de dichas posiciones que han sido por largo rato informales.

ARGENTINA

En el sur del continente la historia nos muestra que al principio en Argentina todos los espectáculos escénicos eran privados hasta la llegada del peronismo en los años 40. En ese momento llega el estado a la cultura en la mira de garantizar los derechos culturales de la ciudadanía.
En ese momento se crea el Complejo Teatral de Buenos Aires, que hoy en día ya son 3 torres, 4 subsuelos, 1000 empleados, 1 galería, 1 hall de música y 8 teatros.

Buenos Aires es una ciudad profundamente cultural y con un arraigo profundo y amplísimo del estado en el sector. Nada más en lo que lleva el año se han estrenado 3200 obras en el OF, En el complejo 81  y 162 de carácter comercial.

Alberto Ligaluppi, considera que no hay problema de público, que siempre se llenan los espectáculos y hay un público bastante formado en ese aspecto, hay un amplio consumo cultural en la ciudad.
También afirma que TODO recibe subvenciones de la ciudad y que hay un presupuesto sólo par ala ciudad de 243 millones de dólares para cultura.

Se creó el Instituto de Teatro con presupuesto propio que proviene todo de la lotería, a raíz de eso nacen todos los demás institutos (música, danza, artes, etc). En el caso del cine, está totalmente subvencionado y totalmente apoyado por lo que ha alcanzado niveles de altísima calidad, siendo protagonista en el mundo cinematográfico universal. Ya en el 2001 con todo el boom, comienzan a crear leyes de y para la cultura.

Hay un problema que identifica Alberto, y es que a pesar de todo, el recorrido y la circulación internacional de lxs artistas argentinxs es complejo debido a la localización geográfica. 
Ahora, hay una mayor regulación estatal y se ha puesto sobre la mesa un proyecto de ley que consiste en que por cada artista internacional que se lleve a Argentina, se debe exportar un artista por la misma cantidad de dinero. Este es el nuevo Plan de exportación de Artistas. Sin embargo, Alberto advierte que esto va a desacelerar bastante la industria del espectáculo puesto que resulta de altísima complejidad este intercambio propuesto.

Por último apuntó que Buenos Aires está gestionando llevar el festival Rock en Rio como parte del boom cultural que está teniendo la ciudad.

COLOMBIA

En nuestro país, el espectáculo escénico es relativamente reciente. Aproximadamente hace 60 años que se inició la gestión de espectáculos en Colombia.
A partir del año 92, después de la constitución del 91, se emprende un compromiso serio con el Plan de Cultura. 
Hoy en día existen 70 salas concertadas, estas iniciaron con una cantidad de dinero público en ese tiempo, y a la fecha actual ¡continúan teniendo la misma cantidad de dinero! 
Existen compañías artísticas sin salas, y existen salas sin compañías o agrupaciones residentes
Las salas de toda la ciudad en su mayoría no tienen acceso a medios de comunicación tradicionales (ATL), en este orden de ideas, éstas no se pueden anunciar de manera sistemática, limitando sustancialmente el alcance de sus programaciones.
También se reiteró el hecho de la informalidad del sector y que no hay profesionalización en el sector
Se aseveró que los gestores de cultura y de espectáculos escénicos deben tener un gran compromiso, una sólida formación administrativa y un amplio conocimiento del mercado que pretenden manejar.

jueves, 25 de abril de 2013

All that remains, en foco "roadmovies" Eurocine 2013


¡Hola! tal como lo prometimos, fuimos al festival Eurocine 2013.
Y pues por supuesto fuimos a ver una de las pelis de la sección "en foco" del festival.
"All that remains" o " Todo lo que queda" una película de carretera de Pierre Adrian Irle y Valentin Rotelli, que bien vale destacarla y hacerle su reseña.  Aquellos en Bogotá, apúrense a ver la programación de esta película en las salas y aquellos en Cali y Medellín espérenla cuando Eurocine llegue a sus ciudades.

Pues bueno, resulta que Ellen, una chica norteamericana se encuentra en Japón, ella camina, viaja, grita, guarda silencio, en ocasiones ríe, en ocasiones llora, contempla, camina, viaja.
Su acompañante de viaje Nakata, es un personaje vital de la propuesta cinematográfica. Él también está en una transición, él nos adentra en el mundo emocionalmente cargado de Ellen, él nos guía y también nos saca de la inercia de andar. Él nos roba risas y también nos infunde misterio.


Al otro lado del mundo otros dos personajes viajan, viajan al océano, elemento bastante simbólico en la historia.
En realidad ninguna de las dos parejas tenían nada en común, incluso, se encontraron por azar del destino, por necesidad o por fuerza. Sin embargo entre los cuatro, en geografías distantes, y algo importante, en tiempos diferentes, tejen una historia magistralmente contada, con muchos elementos literarios, con escenarios impactantes y música exquisita, natural, una música que danza como el viento a través de las curvas de la carretera.

En resumidas cuentas; a Ellen le pasa algo, y descubrimos la historia viendo la película. Los personajes, sus interacciones, sus emociones y elementos como una bolsita de piedritas, nos revelan la historia, el drama, las conexiones y los aprendizajes.

Buena propuesta cinematográfica, no se la pierdan. All that Remains. Una película sobre transición. Todo lo que nos queda es seguir en el viaje de la vida, y por supuesto, disfrutar del viaje más que el destino, pues ya sabemos todos lo que nos espera al final. Véanse la entrevista que encontrarán en este post, en la que los directores y escritores de la historia nos hablan de su creación.

domingo, 14 de abril de 2013

NO ES UN ADIÓS, NI SIQUIERA UN HASTA LUEGO... CHI CHENG, VIVIRÁS SIEMPRE EN NUESTROS OÍDOS


El gran Chi Cheng, viajó a una mejor vida el pasado sábado 13 de Abril en la mañana.
Tras sufrir un accidente automovilístico en 2008, el cual lo dejó en coma, Chi cheng tuvo un tiempo atípico en esta tierra de insconsciencia y semi inconsciencia en sus últimos días.
Mientras su madre le cantaba al oído sus canciones favoritas, Chi, nos dejó y descansó finalmente.
Ásí como su madre lo expresó, lo mejor es que Chi nunca estuvo solo; lo supo, y fue acompañado por sus seres queridos en un camino difícil pero que concluyó en su descanso.
 
Chi Cheng el gran ex bajista de los deftones, fue una pieza clave para la banda, fue fuente de energía, excelentes líneas de bajo y una presencia incomparable!
Lo recordaremos por sus gritos en escena y su maestría y poder como bajista.
Chi también tuvo su proyecto aparte de los deftones, escribía poesía y nunca compuso para Deftones pues sería muy raro para que lo cantara Chino Moreno, (en sus propias palabras).
En fin, un artista porlífico, lleno de vida, que nos dejó todo lo mejor de sí y que seguirá presente por mucho tiempo con sus creaciones.
Hoy le hacemos homenaje y lo recordamos con estos tres temazos que perdurarán por siempre. CHi cheng, descansa en paz, gracias por tu legado y vivirás por siempre en tu música y en nuestros oídos.

Teething


My own Summer
 
Lotion
 

 

jueves, 11 de abril de 2013

¡EUROCINE 2013 LLEGA A BOGOTÁ EN ABRIL!

Buenos señores, alístense porque el próximo 17 de Abril de 2013 se inaugura en Bogotá el Festival de Cine Europeo. Si ustedes nos leen desde otras ciudades como Medellín o Cali, también hay festival por esos lares! Eso sí.. toca esperar un poco hasta Mayo.

En esta versión 19, el festival trae como invitado especial a Los Países Bajos y una columna vertebral estructurada con el género "Película de Carretera".

Ustedes se acordarán de este género por películas como "Carretera Perdida" de David Lynch, "Y tu Mamá También", "Diarios de Motocicleta", "Asesinos por Naturaleza"; en fin son muchos títulos destacados que han sido concebidos bajo este género.
Si quieren ir calentando motores pues échense la mirada a estos títulos y se van ambientando.


 

Otro dato es que si ustedes son muy amantes del cine, Plan B está regalando entradas a la inauguración en el Jorge Eliecer Gaitán para el próximo 17 de Abril. Tienen que responder 3 preguntas y enviarlas al mail que encontrarán en este link.
 
El festival se inaugurará con el título Kauwboy, un drama cuyo protagonista es un chico de diez años con un pájaro de mascota. El filme ha tenido bastantes nominaciones importantes en festivales del viejo continente y ahora podremos tenerla acá en nuestra ciudad.
Estos próximos doce días de cine contarán con su tradicional muestra de cortos, la sección oficial del festival, arte en el cine y otras sorpresas que prometen brindarnos unas jornadas bien estimulantes a nuestros sentidos.

Por otro lado el Goethe Institut ya nos reveló la selección de películas alemanas con las que contará el festival y realmente  pintan muy interesantes y de gran valor artístico. Para ver las sinopsis visiten el calendario de eventos de la página del Goethe Institut Colombia.

Reiteramos entonces la invitación al festival y esperamos disfrutarlo con toda. Quédense pendientes pues realizaremos las respectivas reseñas de las películas que encontremos destacadas del festival. Es más, si nos ganamos las entradas a la inauguración, también les contamos todos los detalles de kauwboy.
Acá les dejamos un vistazo de lo que fue la proyección exclusiva para prensa
¡A ver cine europeo!
 

martes, 9 de abril de 2013

¡MARUMIYAN NOS SORPRENDE CON SU OBRA "ON" MAÑANA 10 DE ABRIL!



Fotolia presenta en su colección TEN, al cuarto artista digital japonés: Marumiyan
El PSD gratuito de su obra, "ON", estará disponible durante 24 horas este 10 de Abril

La segunda colección de TEN está llevando a los usuarios de Internet a un recorrido por el arte digital, el cual está siendo dirigido por grandes artistas del mundo; Cada artista seleccionado para TEN tiene la particularidad de provenir de algunos de los países donde Fotolia se ha establecido. Dos artistas, cuyas identidades siguen siendo un secreto, se unirán al grupo de 10 artistas, para presentarles a lo largo del año a un total de 12 diseñadores, que mostrarán y compartirán sus habilidades, influencias y creatividad, cada mes. En lo que va del inicio de TEN este año, ya se tuvo la oportunidad de mostrar el trabajo de tres talentosos artistas: Gustavo Brigante, Gwon Soonguy y Adhemas Batista, los cuales han generado ¡más de 75,000 descargas!. Ahora en Abril le toca el turno de revelar su creación al reconocido diseñador  japonés Marumiyan.
Recuerden que el archivo PSD de su diseño, estará disponible para su descarga gratuita el miércoles 10 de Abril, por solamente 24 horas en www.tenbyfotolia.com.


TEN es un proyecto creativo, digital y educativo creado por Fotolia en el 2011,  con el objetivo de democratizar el arte digital. Se llama TEN porque involucra a 10 artistas, 10 países, 10 meses y 10 PSDs. Este proyecto le permite a cualquier usuario de la web, la descarga en forma gratuita y durante 24 horas, del archivo fuente de la obra, en formato PSD de cada uno de los diez artistas digitales que colaboran en este proyecto, con la finalidad de descubrir sus técnicas de trabajo y la influencia cultural de cada uno de ellos. Por lo tanto, cualquiera puede acceder al conjunto de capas, elementos gráficos, y efectos de estilo involucrados en cada PSD, y utilizarlos en sus propias creaciones. 
Para más información, se recomienda estar atentos a las redes sociales del TEN Collection: Facebook TenCollectionColombia, Twitter @FotoliaColombia y Google+ Fotolia Colombia y el canal de Youtube TEN by Fotolia, donde se encuentran los tutoriales de estos artistas y los de la temporada uno. 

¿QUÉ ARTISTA NOS TRAE ABRIL?

¡MARUMIYAN!

Su Musa,¡La Música!
El mismo lo confirma, Marumiyan obtiene su inspiración de la música: "Me encanta pintar sonidos", dice. Incluso su seudónimo  es inspirado por su resonancia. Este diseñador, egresado de La Escuela de Kyushu Sangyo en Bellas Artes, fue reconocido inmediatamente por revistas de arte y diseño internacional, como Juxtapoz, New Web Pick, Artskills, entre otras. 
Con habilidades más allá de su edad, este joven de 27 años, ya ha participado en varias exposiciones y colectivos de arte internacionales, publicó el libro "Obras de Photoshop e Illustrator", editado por MdN, y desarrolló la conceptualización visual de uno de los mayores festivales en vivo en Japón: Minami Rueda.




Un Artista de Corazón
Nacido en Fukuoka, Japón, donde todavía reside, Marumiyan fue expuesto al arte como la pintura y el dibujo por su padre desde una edad temprana. La biblioteca familiar siempre estuvo repleta de libros de arte y las excursiones familiares a menudo incluían visitas al museo. El proceso creativo es una parte del alma de este artista: "Me encanta el proceso de creación del arte, más que el resultado de tener una obra de arte. Tiendo a aburrirme una vez que la pieza está casi terminada", dice. Marumiyan utiliza técnicas de collage entre fotografías y pintura, siempre se esfuerza por encontrar un equilibrio entre ambas para después pasar a la manipulación de color. Su obra se encuentra en una variedad de formatos diferentes - carteles, folletos, sitios web, portadas de CDs. Definitivamente para Marumiyan, la forma es secundaria a la alegría de la creación.

Para TEN, Marumiyan exhibe la elegancia y el estilo japonés
"Me sumé el proyecto TEN porque me pareció interesante. Pensé que era una perfecta oportunidad para crear fotomontajes más elaborados e incluso atractivos, todo esto logrado mediante el uso de imágenes de Fotolia, ya que estás acentúan el poder visual de la obra de arte… Además como profesor de diseño gráfico, también aprecio el aspecto pedagógico del proyecto y el aprendizaje que se genera, ya que ayuda a otros a aprender", explica. Su diseño de la TEN, titulado "ON", se articula en torno al árbol más emblemático de Japón: El Bonsai, y elocuentemente en torno a su tema preferido: el sonido. Completo con altavoces, amplificadores y cables, la sinfonía visual de Marumiyan, culmina en una obra de arte digital, diseñada para ser vista y escuchada.

Conoce al artista
Dos videos subtitulados en 12 idiomas fueron rodados en Japón, donde se podrá tener acceso al estilo de vida de Marumiyan El primer video presenta una breve biografía del artista y su visión, se dará a conocer en la página de TEN en Facebook. en Abril. En el segundo cortometraje, el artista compartirá las técnicas utilizadas por el para crear su diseño para la colección TEN, y estará disponible el 10 de Abril en el canal de Youtube junto con el archivo PSD. 

lunes, 25 de marzo de 2013

LA MAGIA DEL 5...LA MAGIA HECHA MÚSICA


Algunos dicen deber su suerte al número 7 otros dicen deber su mala suerte al 13, John William Lowery (1971) le ha dado magia, poder y trascendencia al 5. Que de quién hablamos? que ¿cómo así? Pues, John William Lowery, más conocido como John 5, es uno de esos guitarristas que pareciera ser anónimo, pero su relativamente corta carrera, ha estado llena de trabajo, calidad y éxito. John 5 inició su vida como músico a los 7 años y desde entonces no ha dejado de pulsar las 6 cuerdas con las que ha logrado un mundo musical impresionante. Es un músico exquisitamente versátil y eso lo demuestra su extensa producción musical. Desde el 2004 ha lanzado seis trabajos en solitario: Vertigo (2004), Songs For Sanity (2005), The devil knows my name (2007), Requiem (2009), The Art of malice (2010) y el más reciente God told me to (2012). En sus álbumes es impresionante la técnica en la ejecución, la composición y sobre todo el estilo. John 5 deja claro que es un roquero puro y aplica la técnica del banjo a la ejecución de la guitarra, en temas que dejan ver la influencia Bluegrass que adquirió escuchando música al lado de su padre. Antes de ésto fue el guitarrista de Marilyn Manson y durante los últimos años se ha desempañado como el guitarrista principal de Rob Zombie. Al tiempo ha colaborado en bandas sonoras, guitarrista de otros cuantos proyectos y además le encanta dar clases tipo clínica. Entonces,  a escuchar a John 5.
Acá les dejamos unas recomendadas:
Del álbum The Devil Knows My Name (que incluye un cover de Welcome to the jungle de Guns and Roses) la canción Black Widow de La Porte, del álbum Vertigo: Feisty Cadavers y del más reciente álbum (que incluye un cover de Beat it de Michael Jackson) una impresionante pieza al mejor estilo español Noche Acosador (Ultra recomendada).
¿Cómo les quedó el ojo?

Black Widow of La Porte (En vivo)

Feisty Cadavers
Noche Acosador 2D
 

martes, 26 de febrero de 2013

EXITOSA JORNADA EN EL FESTIVAL VERDE 2013 PANAMÁ


El pasado 23 de Febrero, tuvo lugar el Festival Verde de Cultura Musical, evento insignia de la movida alternativa en Ciudad de Panamá y estuvimos allí!
Esta vez el Festival contó con la suerte de tener al monstruo latinoamericano Café Tacuba representando a México y también tuvo la participación de dos propuestas que poco a poco han ganado un gran terreno y reconocimiento en el continente como Monsieur Periné desde nuestra querida Colombia y Astro desde Chile con propuestas electrizantes, novedosas y que dejaron a más de uno boquiabierto y con ganas de llegar a la casa a descargarse el material disponible.
Monsieur Periné mostró de qué estaba hecho y nos puso a todos a bailar swing acolombianado, así como dejó a gran cantidad de panameños enamoradísimos de Catalina su vocalista, ¡hasta le pidieron matrimonio con un cartel!
Con astro, literalmente nos sentimos en el espacio con tanta energía. Toques electrónicos, melodías poco precedibles, letras re-locas y una voz más aguda que la de Catalina. Muy buena propuesta, que ya ha pasado por festivales como el Vive Latino, SXS, y ha tenido un despliegue de energía increíble.
Acá una muestra de estas dos bandas

 

La cuota local, tuvo una buena representación con bandas con estilos que viajaban entre el punk, ska, reggae y rock. Muy destacadas estuvieron las propuestas de Cienfue, que ya nos ha visitado en Bogotá anteriormente y Carlos Méndez también con un rock muy al estilo del sur de nuestro continente.
Por otro lado el Festival contó con un escenario alterno patrocinado por ADIDAS, en el que el foco fue el hip-hop y el graffiti, aunque también se contó con las apariciones de Alfonso Espriella de Colombia y Telefunka desde México. La zona de ADIDAS brilló por su zona VIP en la que podían ingresar los que tuvieran algo original de ADIDAS en su ropa y esto abría la puerta a unos muy buenos pasabocas, cervezas, gaseosas, agua y otras bebidas.

Pero bueno, no todo podía ser color de rosa. El festival nació para abrir un espacio musical de manera responsable, destacando y aplicando prácticas amigables con el medio ambiente y para fomentarlas. Había stands de ong's y negocios verdes, comida, productos, frutas, entre otros, pero en realidad el verde brilló por su ausencia. Se vió opacado por nubes interminables de humo de cigarrillo, el verde del pasto se tornó color gris cubierto de latas, bolsas, basura de todo tipo, no se utilizaron las canecas para la separación de residuos y en fin, fue un festival de todos los colores menos verde.
Lo más chistoso del asunto era ver a todo el público ovacionando a Café tacuba mientras se tiraba sus discursos en defensa de nuestro planeta y la vez expiraban sus bocanadas de cigarrillo llenas de químicos y gases de gran contaminación.
Conclusión: 0% coherencia por parte del público. Sin embargo un punto para el festival y los artistas por hacer el intento.

Por destacar del festival nos queda la excelente producción sonora, la infraestructura y la logística. Lástima que hubo un público muy reducido y no se aprovechó al máximo. Panamá tiene una escena muy incipiente pero hay gran potencial en formación de públicos. El festival verde está dando pasos agigantados en este sentido y pues se le augura gran éxito en sus próximas ediciones.

Unas bandas excelentes, con gran calidad musical, gran puesta en escena y un show de verdad para disfrutar.
Gracias a los organizadores y patrocinadores por hacer posible este tipo de eventos en Panamá donde hay tanta carencia en oferta cultural.

jueves, 14 de febrero de 2013

CONVOCATORIA PARA LA FIESTA DE LA MÚSICA 2013


Nacida en Francia, llega a Colombia La Fiesta de la Música los próximos 22 y 23 de Junio de 2013.
Está abierta la convocatoria para que profesionales y aficionados de la música participen y sean parte del catálogo de artistas de la gran celebración.
Un monumental evento que servirá como importante vitrina nacional para músicos, abre sus puertas hasta comienzos de Marzo para evaluar propuestas musicales y hacerlas parte de la serie de conciertos programados en estas dos fechas.
Así que a revisar los términos, a llenar los formularios, a enviar la propuesta y por supuesto ¡a cruzar los dedos!

Acá datos claves:
Existen dos modalidades para participar

 A. Usted se presente en el lugar que quiera de la ciudad y se registra para que el evento lo evalúe y sea tomado en cuenta en el registro de memoria, fotográfico y sonoro.

 B. Usted se registra y la organización provee escenario y condiciones técnicas necesarias par su presentación y también es parte del registro fotográfico, sonoro y visual de la Fiesta de la Música 2013. También se haría la divulgación y promoción de su concierto.

Algo para destacar de la Fiesta de la música es que su idea es celebrar la música, profesionales y aficionados están invitados. Todos los géneros valen, entre mayor diversidad mejor. El jurado no sólo calificará la calidad musical de la propuesta, también será muy importante la creatividad y el valor social y cultural de la propuesta. Así que si le da miedo, nada más aviéntese que este puede ser su despegue.

Y por si fuera poco, las propuestas se pueden gestionar de manera física o digital, así que hay para todos los gustos, tamaños y formas. Esta vez no hay excusa.

Mas bien, métase a este link, léase bien toda la info, inscríbase y verá que en Mayo lo llaman!
http://www.fiestadelamusica.com.co/

Arriba la Música, arriba Bogotá y en este caso arriba Francia por apoyar la iniciativa y además coordinarla.


martes, 12 de febrero de 2013

DIPLOMADO EN CINE Y EDUCACIÓN EN MARZO DE 2013


Amigos amantes del cine,
 
en La Universidad La Salle hay una convocatoria para hacer parte de un Diplomado en Cine y Educación.
 
Los objetivos son:

-Facilitar la aproximación a diversas expresiones audiovisuales como experencias sociales, culturales, políticas y pedagógicas.
-Analizar piezas cinematográficas en diferentes niveles y explorar sus posibles dimensiones interpretativas
-Construir herramientas y proyectos para el uso del cine en diferentes contextos educativos
 
Nos parece esta una oportunidad importante para aquellos que encuentran en el cine una herramienta importante para la educación, así como para aquellos que les gustaría dirigir un cine club o grupos de cine en universidades, colegios, bibliotecas, para críticos del cine, cineastas, amantes del cine, o si quiere simplemente explorar en este ámbito, pues también vale.
 
Mejor dicho, anímense e inscríbanse. Toda la información sobre contenido, plazos,horarios, procesos y precios está acá en este link: http://unisalle.lasalle.edu.co/programas-academicos/extension-y-educacion-continuada/extension-y-educacion-continuada/diplomado-en-cine-y-educacion

Cualquier duda comuníquense con la Universidad La Salle.
 

sábado, 9 de febrero de 2013

NICK CAVE & THE BAD SEEDS ESTRENAN ÁLBUM ¡STREAM ACÁ!


carátula de Push the Sky Away
 
Nick Cave & The Bad Seeds nos sorprende esta vez con un álbum introspectivo, lleno de calma, con una atmósfera muy particular y con un exitoso intento de melodías que nacen de la naturalidad de la voz hablada.
A través del álbum se nos cuentan historias,  con sonidos básicos, profundos, que encuentran una base sólida en sus percusiones quedas pero firmes, en una voz lejana pero poderosa  y en unas melodías fuera de lo común que logran captar toda la atención y conquistar al oyente en menos de 1 minuto de oir "We no who U R" el sencillo del álbum.

Grabado en un estudio de un antiguo castillo francés, producido por el mismo Nick Cave, quien ha producido muchos de los álbumes de la banda, lograron una obra magistral, el 15° álbum, que marca al oyente y que nos dará mucho de qué hablar.



Push the Sky Away es el nuevo hijo de la banda, y en palabras de Nick Cave "es el bebé fantasma en la incubadora y los loops de  Warren son su diminut y tembloroso latir.

El stream exclusivo lo tiene the guardián, pues el album no se ha lanzado. Así que váyanse ya a este link y escúchense todo el álbum para que comprueben con sus propios oídos de lo que estamos hablando.

Acá sin embargo les dejamos el trailer oficial del lanzamiento del album, y un video en Youtube (en donde ya se publicaron la cancion Jeje) y también pueden pre-ordenar el album en el site oficial de la banda o por que no, ordenar el set de lujo que se ve tremendo.



miércoles, 6 de febrero de 2013

¿QUE SI TENGO 5 MINUTOS? ¡SÍ! ¡CINCO DE ARTE!


Una entrevista por Adriana Yee Meyberg


El Colectivo Cultural Cuarto Menguante se reunión con Julián Sánchez en una interesante entrevista sobre su más reciente proyecto "Cinco de Arte". 
Una sesión llena de aprendizajes provistos por la mirada crítica del joven gestor cultural, quien en un intento valeroso por rescatar al arte de los círculos especializados tradicionales de nuestra ciudad, nos trae una idea fresca y al alcance de todos. Arte, política, hip, hop, sociedad. Estos son sólo algunos de los temas que pudimos conversar en esta oportunidad. Así que tómese cinco minutos y acérquese a Cinco de Arte.


Cuarto Menguante (CM): ¿Quién es Julián Sánchez?
Julián Sánchez (JS): Soy un amante del arte moderno y contemporáneo, de la política y de la creatividad humana. Soy politólogo e historiador del arte de profesión, pero gestor cultural de vocación. Tengo un gran interés por trabajar en el ámbito museológico colombiano y promover las artes como herramienta de cambio social.

CM: Cuéntenos, ¿de qué se trata este nuevo proyecto "Cinco de Arte"?
JS: Cinco de Arte es un blog dedicado a la revisión de exposiciones temporales de arte en espacios tradicionales, museo y galerías, así como también espacios no convencionales. El principal propósito es entablar conversaciones libres en torno a temas que conciernen a la escena artística contemporánea en Bogotá. Esto se hace a través de la publicación de entradas periódicas y la comunicación constante de la agenda cultural de la ciudad en relación a estos espacios y muestras.
                                         Julián Sánchez- Politólogo e historiador del arte

CM: Qué interesante, y ¿por qué "Cinco de Arte"?
JS: Creo firmemente en la democratización del arte (sobre todo la necesidad de hacerlo en realidad), en el hecho de que es necesario dar un paso hacia temas en el arte contemporáneo que sean accesibles no sólo a un público especializado. La propuesta central del blog es que en CINCO minutos, el lector pueda ponerse al día en lo que está pasando en la ciudad y acceder a la lectura de exposiciones que originalmente están pensadas únicamente para artistas, galeristas, coleccionistas y conocedores. Esa es la premisa, un espacio para el disfrute de las artes plásticas de todos y para todos, pues la cultura al igual que la memoria, tiene un carácter colectivo. 

Foto con Eduardo Serrano en la apertura de la exposición de Fred Sandback. Foto tomada por Felipe Uribe

CM: Julián, y ¿cómo exactamente a través del blog y el lenguaje utilizado se podría lograr la apropiación del arte por parte de la ciudadanía? o mejor, ¿cómo evitar que el blog se convierta en un espacio altamente especializado y termine siendo lugar para los tradicionales galeristas, artistas, críticos y coleccionistas? ¿Cómo evitar que pierda su horizonte democratizador teniendo como protagonista al ciudadano de a pie?
JS: Es un ejercicio de prueba y error. En principio no quiero hacer un seguimiento y revisión formales de las obras, sino por el contrario, entablar discusiones en torno a temas centrales en el arte contemporáneo con los que todos nos podamos relacionar. En la última entrada, por ejemplo, hice una revisión de la obra de Wolfgang Tillmans desde la búsqueda de identidad en el sujeto contemporáneo. En la que publicaré proximamente, quiero hablar de la obra de Fred Sandback pero en relación con la inflación de los precios en el mercado del arte. En ese sentido, apunto a una conexión entre arte y vida cotidiana y a preguntas que todos nos hacemos como: ¿por qué tan costoso?, ¿por qué esa obra es arte si yo la podría haber hecho?

Foto tomada por Tatian Zornosa. Obra de Frank Stella en el museo de Bellas Artes de Boston

CM: Julián y ¿por qué "Arte"? ¿Hay algún elemento o situación especial que lo impulse a enfocarse en las artes plásticas?
JS: Siempre he tenido una sensibilidad por las artes que no había podido explorar sino hasta que entré a la universidad y vi mi primer curso de historia del arte con Patricia Zalamea. Fue un momento crucial en mi vida  en el que comencé  a ver cómo el arte, especialmente del último medio siglo, sirvió como móvil para la resistencia política y la contención. Esa relación entre minorías y producción artística me parece fascinante y fundamental para la creación de una sociedad más equitativa. Las luchas feministas de los 70's, Las Guerrilla Girls, la obra de Cincy Sherman, el Art Workers' Coalition, ACT UP en Nueva York, la obra de Robert Mapplethorpe, y en especial el espíritu de las revueltas de Mayo del 68 en París, son ejemplos que me inspiran a promover este tipo de visión en torno al arte, una visión que considero necesaria para el reconocimiento de la diferencia y el logro de la cohesión social.

Tomada de tradingvoyageur.com

CM: Hablando de arte, sociedad y política...¿Qué posición tiene respecto al movimiento del Hip-Hop y su expresión artística a través del Graffiti? ¿También podemos considerarlos dentro de los movimientos artísticos que se ven nutridos y a la vez apalancan el cambio social, integrando un discurso político de gran incidencia en nuestra ciudad?
Tomada de Tradingvoyageur.com

JS: En este momento tengo una relación de amor-odio con el graffiti,  Encuentro fascinante la defensa de un tipo de arte basado en las experiencias urbanas en el que las artes visuales y la música son la manifestación de una identidad colectiva que se construye en las dificultades del día a día. El problema, por lo menos para mí, radica en los repertorio de protesta -citando a Charles Tilly-, pues no veo cómo llenar la ciudad de firmas sea una forma de comunicar necesidades insatisfechas o denunciar desigualdades. Por el contrario, me parece más una forma de competencia entre bandas que despoja de todo contenido críticos a la escencia del Hip-Hop como movimiento        urbano. He visto unos murales hermosos cuyo contenido político es absolutamente pertinente en el marco de desarrollo histórico de nuestra sociedad. En la Calle 26 y en la Carrera Décima hay unas piezas que me da mucha felicidad verlas; sobre todo porque son muestras de que la sociedad civil no se ha rendido y que todavía falta mucho por hacer. Eso me parece motivador y es lo que rescato del Graffiti, su accesibilidad, pues no requiere más de cinco minutos verlo -en el bus, a pie, en carro- y entender de inmediato la idea que nace de la cultura popular.

Tomada de tradingvoyageur.com

CM: Bueno Julián, muchísimas gracias por compartir con Cuarto Menguante esta gran experiencia y proyecto. Felicitaciones y adelante con el trabajo. Es un camino arduo pero que definitivamente vale la pena.
¿Quisieras compartir algo adicional con nuestros lectores?
JS: Claro, los invito a estar pendientes de la movida cultural bogotana, no sólo musical sino también de las artes plásticas. Es un momento de transición increíble para el arte colombiano, muchas cosas están pasando y se están conociendo nuevas propuestas. El comienzo del arte para todos y no sólo para unos cuantos es una de estas grandes transiciones y creo que como espectadores somos los más beneficiados. Así que a leer Cinco de Arte y a visitar exposiciones que hay mucho que aprender.

Así terminó una sesión que nos llenó de motivación y que estamos seguros que ustedes los dejará igual de interesados. Por supuesto acá les dejamos el enlace a:  Cinco de Arte y por favor cuéntennos qué les parece.
Una nueva iniciativa en la ciudad para ahondar nuestro crecimiento como metrópoli casa de la cultura y cada vez con más espacios para la experimentación, apreciación y en últimas apropiación de las artes, por parte de nosotros, los ciudadanos de pie.

lunes, 4 de febrero de 2013

¡THE CURE! LA CURA PARA EL ALMA LLEGA A BOGOTÁ


Después de tantos deseos pedidos a estrellas fugaces, después de una interminable espera y después de un 2012 excelente para la música en Colombia; llega finalmente a Bogotá, "La Cura para el alma": THE CURE!

Bogotá recibirá a una de las bandas más influyentes de nuestros tiempos. Con Robert Smith a la cabeza con sus característicos labios rojos y ojos negros, la ciudad tendrá una visita musical para recordar.

The Cure nace en 1976 con un proyecto musical bañado de sonidos post punk, a ratos góticos, reforzados por su imágen oscura. Junto a bandas como Joy Division o Siouxsie and The Banshess, gana fuerza un movimiento gótico, Dark Wave, que fue ganando miles de adeptos en el mundo.
The Cure saca a la luz su primer álbum en 1979 bautizado "Three Imaginary Boys", que se fue de gira por todo el reino unido y fue un hit junto a sencillos como "Boys don´t Cry" y "Someone else's Train". Hits que hoy son más fuertes que nunca y son nuestros bien llamados clásicos.

Hacia 1980 The Cure explora más a fondo el lado oscuro de Robert Smith en la composición de temas y lo lleva al máximo clímax con la publicación del álbum Pornography. Con este álbum sale el sencillo "The Hanging Garden" que con sus letras de verdad nos da una cara a criaturas oscuras y extrañas en un lugar tenebroso. Ante esta exploración de su lado oscuro, The Cure decidió renovar la propuesta, y lo hizo inyectándole un feeling pop y con sonidos electrónicos, como con el sencillo "let's go to Bed" o "The Walk" en el 83, sencillo con el que siguieron experimentando con el sonido dance-groovy-electro-dark.

En el 87 sacan su monumental álbum doble Kiss me Kiss me Kiss me, que trajo consigo los toures más memorables con las mejores presentaciones en vivo en la vida artística de la banda. Salen unos sencillos con toques musicales enérgicos y con muchos teclados con unos ritmos bastante bailables; tal es el caso de "Why can´t I be you" o un poco más melodramático como " catch", pero sin duda, un clásico muy ceñido a la personalidad musical creada por The Cure fue " Just like Heaven" que aún con gran predominancia de los teclados y riffs pegajosos, mantiene su esencia un poco oscura y curesca, que tanto nos ha enganchado. Este  álbum es una muestra de todo el rango de estilos que maneja The Cure, y podemos encontrar muchísimas influencias del dance pero en una armonía perfecta con el rock y los sonidos frios que hizo famosa a la banda. Justo después de este álbum aparece uno de los sencillos más admirados, reconocidos y santificados de la banda "Lovesong", de la mano de "Desintegration", Es un himno y lo seguirá siendo por mucho tiempo. Incluso la banda 311 le hizo un cover que también goza de una excelente acogida.


En el 92 lanzan el álbum Wish, considerado por muchos, el mejor trabajo de la banda hasta la fecha. y ¿cómo no iba a serlo? en este álbum está el sencillo conocido muy bien por todos y coreado cada vez que suena: "Friday I'm in Love", un tema feliz que cada vez que comienza nos pinta un arcoiris y una sonrisa en el rostro. Está acompañada de las más oscuras "High", "Open" o "Trust" temas también sobresalientes de este álbum, pero que dejan atrás el arcoiris y siguen construyendo en esa personalidad musical tan imponente de la banda. Con Mixed up y Wish , The Cure alcanza gran reconocimiento nacional y gana el premio a mejor banda británica.


Con este gran respaldo, siguen grabando y sale el "Wild Mood Swings" que fue top ten en casi todo el mundo, en este álbum sale un sencillo bastante interesante "The 13th" que nos sorprende con trompetas al mejor estilo latino y con un ritmo que nunca hubiéramos esperado de los Cure. Es un experimento bien exclusivo en el repertorio de la Banda y que incluso alcanzó a estar en el top 10 de varios rankings en el mundo, junto a su otro sencillo "The Mint Car".


En el 2007 ya posicionados y reconocidos mundialmente e incluso rotando en todos los canales musicales como MTV, lanzan el tan aclamado álbum "The Cure".  Con el sencillo "The End of the world, alcanzan generaciones más jóvenes y se popularizan muchísimo. La banda se convirtió en un "must" en los grandes festivales europeos, norteamericanos y de américa latina. Tuvieron una excelente aparición en los premios MTV latinoamérica que siguió a presentaciones excelentes en el Download Festival y una gran concierto en México.


Lo más reciento de The Cure es el 4:13 Dream, álbum con estrene en el 2008. El álbum ha obtenido un 69 sobre 100 en calificación en Metacritic. Este puntaje se obtuvo por sus review positivos en general. Aunque la mayoría de críticas catalogan el álbum como una obra clave en la historia de la banda, otros lo critican por su ligereza  y comodidad excesiva en la composición de sus letras.

Ya estamos en 2013, y Latinoamérica recibe con los brazos supremamente abiertos a The Cure. Este tour tan esperado abarca Brasil, Chile, Argentina, Colombia, Perú, México y Paraguay y tendremos la fortuna de ver a nuestra cura para el alma y gozar a grito herido los hits de los Cure y saltar hasta el amanecer.
Vayan ya mismo a comprar sus boletas en tuboleta.com y estúdiense las canciones para que se la gocen con toda el próximo 19 de Abril en el Simón Bolívar.

Bogotá capital de la música, inicia el 2013 con pie derecho.